Critiques de films : 60 des meilleurs films de 2022 | Feuille d'érable Taiyuan Co., Ltd

Animation

Guillermo del Toro avait apparemment passé "toute sa vie professionnelle" à aspirer à adapter à l'écran le célèbre conte de Carlo Collodi, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Maintenant, il a enfin produit cette animation en stop-motion merveilleusement sombre. Comme on peut s'y attendre du réalisateur du Labyrinthe de Pan, son Pinocchio est faible en sentiment sucré. Il l'a placé dans le "toile de fond rougeoyante" de l'Italie de l'ère Mussolini, et cela fonctionne brillamment. Le casting "formidable" d'acteurs de la voix comprend Tilda Swinton en tant que "lutin de bois bénin" qui réveille Pinocchio, et Ewan McGregor en tant que cricket parlant. Pinocchio lui-même est exprimé par le jeune acteur britannique Gregory Mann, et n'a rien à voir avec la marionnette "chérubine" du film de 1940. Ce Pinocchio est une "poignée" bratty et rebelle; et ça veut dire que quand il succombe enfin à "l'amour filial", c'est vraiment touchant. Le film vaut le détour, mais "si je le recommandais comme amusant pour toute la famille, je m'attendrais à ce que mon nez pousse d'un pouce ou deux de plus". C'est un Pinocchio strictement "pour les grands".

En fait, je m'attendrais à ce que les enfants avec un peu de "cran" en retirent beaucoup, a déclaré Danny Leigh dans le FT. Oui, c'est "douloureux", et cela regarde sérieusement la perte et la paternité, mais ce n'est jamais "lourd", et l'histoire "se glisse et frissonne", aidée par une animation "merveilleusement inventive". Beau et insolite, le film "revient au bon vieux temps des films familiaux durs à cuire, avec beaucoup de larmes et d'énormes retombées émotionnelles", a déclaré Johnny Oleksinski au New York Post. Pinocchio est peut-être « 100% sans vergogne » – si boisé qu'il « disparaîtrait sur le sol de mon salon » – mais il est toujours « le gars animé le plus attachant à l'écran depuis Paddington ».

Drame

Ce drame "sincère et absorbant" raconte l'histoire vraie de June et Jennifer Gibbons, des filles jumelles identiques d'immigrants barbadiens qui ont grandi dans une communauté blanche au Pays de Galles et qui sont devenues connues sous le nom de jumelles silencieuses parce qu'elles ne communiquaient qu'entre elles, a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Jouées à l'âge adulte par Tamara Lawrance et Letitia Wright, les sœurs ont été "effectivement abandonnées par les systèmes scolaires et de soins". Ils ont écrit des tonnes de poèmes et d'histoires et ont publié un roman avant d'être incarcérés à Broadmoor en 1981 pour incendie criminel et vol. Leur histoire a déjà été adaptée, mais cette version, de la réalisatrice polonaise Agnieszka Smoczynska, utilise l'animation de marionnettes en stop-motion pour dépeindre "l'étrangeté et la solitude de leurs imaginations", et examine également "subtilement" le rôle que la race et le sexe peuvent avoir joué dans la façon dont ils ont été "radiés". C'est un film "dérangeant", "mais aussi tendre et triste".

Le film est "trop long", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday, mais il est agréable à regarder, et l'histoire "souvent angoissante" des jumeaux est "fabuleusement bien racontée". Certains aspects fonctionnent mieux que d'autres, a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph - Wright a une "belle ligne dans les regards obliques à la Diana", et le scénario "a sagement permis aux filles de communiquer en anglais simple", plutôt que dans le mélange rapide d'anglais et d'argot barbadien qu'elles utilisaient. Mais les pistes "mâchent et aspirent leurs consonnes", ce qui devient "portant", et le mystère au cœur de leur histoire - pourquoi ils se sont retirés en premier lieu - n'est jamais tout à fait sondé. Cela laisse le spectateur "regarder confusément" dans le "monde clos" des jumeaux, sans comprendre pourquoi ils s'y enferment.

Animation

Cette animation "sombre et obsédante" décrit la vie de Charlotte Salomon, l'artiste judéo-allemande qui a été tuée à Auschwitz en 1943 à l'âge de 26 ans, a déclaré Kevin Maher dans The Times. Salomon (exprimé par Keira Knightley) est surtout connu pour son "chef-d'œuvre semi-autobiographique", Life? ou Théâtre ?, une collection de 769 peintures qui est parfois décrite comme le premier roman graphique. Nous la rencontrons pour la première fois en 1933, alors qu'elle étudie l'art à Berlin ; elle "écoute consciencieusement" ses "professeurs étouffants" tout en nourrissant son propre style "impressionniste". Mais "les signes de terreur sont partout" - le personnel se salue avec "le paresseux Sieg Heils" - et elle finit par s'enfuir sur la Côte d'Azur, où elle est capturée. Comme d'autres "dessins animés pour adultes", tels que Flee et Waltz with Bashir, il s'agit d'une "méditation sérieuse sur la violence à motivation politique", et cela fonctionne généralement bien.

Charlotte "veut clairement donner vie à l'esthétique de Salomon avec l'hommage chaleureux de sa propre animation", a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph, mais les "visuels basiques et adaptés aux enfants" ne rendent jamais justice à ses compositions, et le film se sent "coconné" dans sa propre beauté. Et tandis que le casting regorge de "grands noms" – dont Jim Broadbent, Sophie Okonedo et Helen McCrory (dans son dernier rôle à l'écran) – le grand nombre de voix célèbres finit par ressembler à un "camée exagéré". Pour un récit "d'un artiste non conventionnel, l'animation est malheureusement conventionnelle", a convenu John Nugent dans Empire. Même ainsi, le film offre "une expérience de visionnement émotionnelle et humaine" et devrait satisfaire et informer le jeune public auquel il est destiné.

Drame

"Si vous êtes de ma génération, je suppose que votre première rencontre avec Lady Chatterley's Lover de DH Lawrence a été le livre (bien feuilleté) passé à l'école, puis peut-être l'adaptation télévisée de 1993 de Ken Russell, qui fait trembler la hutte", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Le film de Netflix semble plus en accord avec le "titre alternatif du roman de Lawrence, Tendresse": il s'agit plus d'une "histoire d'amour douce, émouvante et immersive que d'une histoire de sexe" – bien qu'elle s'intègre dans "beaucoup de sexe". Réalisé par Laure de Clermont-Tonnerre, il met en vedette Emma Corrin dans le rôle de Constance Chatterley, la jeune aristocrate écrasée par la cruauté de son mari (Matthew Duckett) et qui tombe amoureuse de Mellors (Jack O'Connell), le garde-chasse bourru. Les thèmes du roman - les inégalités de classe, l'industrialisation, "le sexe comme naturel plutôt que honteux" - sont tous abordés, "mais avec délicatesse", et bien que le film "ne mettra pas le feu au monde", l'histoire est "discrètement mais plutôt magnifiquement racontée".

Corrin et O'Connell sont "splendides" en tant qu'amants, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail; mais c'est dommage que les bords déchiquetés du roman aient été poncés. "Mellors est moins un morceau de rugueux qu'un morceau de semi-lisse", qui lit Joyce et a lui-même été "brutalement cocu". Constance, quant à elle, est dépeinte comme une fervente "championne de l'ouvrier", elle est "pratiquement Angela Rayner", ce qui ne convainc pas. Pourtant, il y a eu de pires adaptations, et c'est exceptionnellement "beau à regarder". C'est très "de bon goût et agréable", a déclaré Tomiwa Owolade dans The New Statesman, avec ses "voix off tendres" et une scène à l'éclairage tamisé dans laquelle les amoureux dansent nus sous la pluie. Mais il n'y a pas de "construction érotique", et aucune des ténèbres séduisantes du livre. Au final, cela semble un peu "inutile".

Action

Une rumeur a "circulé" selon laquelle Glass Onion n'est pas aussi bon que Knives Out, a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. Eh bien, cette rumeur est "cordonniers": Glass Onion est complexe, intelligent et "outrageusement drôle". Daniel Craig revient en tant que détective Benoit Blanc, avec un nouveau crime à résoudre, "dans un endroit différent, parmi un ensemble différent de visages de la liste A". La procédure démarre lorsqu'un milliardaire de la technologie (Edward Norton) invite des amis sur son île grecque pour jouer à un jeu de meurtre et de mystère. L'histoire marche un peu au début, mais quand les rebondissements entrent en jeu, cela devient "des trucs au bord du siège".

Si vous me demandez, Glass Onion est meilleur que le premier film, a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Bien sûr, c'est «absurde», mais c'est vraiment divertissant: regarder Craig défiler dans une variété de «tenues scandaleuses sur le thème des loisirs» est une «joie» particulière. Le film est "conçu avec ruse", a déclaré Anthony Lane dans The New Yorker. Mais les personnages sont tout simplement trop peu aimables; à la fin, peu importe qui tue qui, ce qui laisse le film "curieusement mince et froid au toucher".

Musical

Lorsque Netflix a payé 500 millions de dollars pour les droits sur les œuvres de Roald Dahl, "beaucoup ont pensé qu'il avait trop payé", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Mais sur la base de Matilda the Musical, cela ressemble à un investissement "sage". Adapté du hit du West End et mettant en vedette la musique de Tim Minchin, le film aurait pu avoir une "sensation théâtrale contraignante"; mais le réalisateur Matthew Warchus imprègne l'histoire, à propos d'un enfant prodige doté de pouvoirs télékinésiques, d'une "toute nouvelle énergie". La nouvelle venue irlandaise Alisha Weir est une merveilleuse Matilda, et tout cela s'ajoute à une "joie exubérante".

Cela m'a semblé un peu "strident et scénique", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday; mais il y a beaucoup de compensations, notamment Emma Thompson, qui est "incontestablement brillante" – et presque méconnaissable – en tant que vaste et redoutable Miss Trunchbull. Le problème est que bien qu'il capture l'obscurité de Dahl, il manque une partie de la légèreté de l'auteur, a déclaré Nicholas Barber sur BBC Culture. J'aurais aimé que le film prête attention à ce que Matilda dit à Miss Honey dans le livre : "Les enfants ne sont pas aussi sérieux que les adultes et ils adorent rire." Les téléspectateurs vont rire, mais certains moments sont tellement "dérangeants", qu'ils "pourraient aussi crier et pleurer".

Drame

"Tous ceux qui parcourent les routes américaines doivent tôt ou tard se poser la question de savoir quoi manger", a déclaré AO Scott dans le New York Times. Pour les "jeunes amoureux sans pieds" de Bones and All de Luca Guadagnino, "c'est plutôt une question de 'qui'" : Maren (Taylor Russell) et Lee (Timothée Chalamet) sont des cannibales, qui assassinent pour assouvir leur appétit. Pourtant, c'est "moins un film d'horreur qu'une romance hors-la-loi dans la tradition de Bonnie and Clyde", et même si c'est un peu ridicule, c'est aussi "curieusement touchant".

"Des amis dont j'ai confiance dans les opinions sont devenus gaga" pour ce film, a déclaré Danny Leigh dans le FT, mais cela m'a laissé sinon froid, du moins tiède. Russell est "excellent", mais Chalamet ne convainc pas vraiment en tant que vagabond capable de conduire une camionnette, et Mark Rylance le fait vraiment comme un cannibale vétéran "soufflant l'air comme une publicité macabre d'Oxo". Ce n'est peut-être pas pour tout le monde, mais j'ai trouvé que c'était "le film le plus étrange et le plus envoûtant de l'année", a déclaré Tom Shone dans le Sunday Times. Il y a des "vues macabres" (beaucoup de "museaux ensanglantés" et de "cadavres bourdonnant de mouches"), mais cette histoire d'amour inadaptée - "tour à tour rêveuse, triste, sanglante et répugnante" - pourrait devenir Sid et Nancy d'une nouvelle génération.

Drame

"L'étonnant premier long métrage" de la réalisatrice écossaise Charlotte Wells est "un portrait de l'amour paternel, de sa nature protéiforme et de l'impact persistant qu'il laisse sur la vie adulte", a déclaré Kevin Maher dans The Times. Situé à la fin des années 1990, le drame se concentre sur Calum (Paul Mescal), un père qui a emmené sa fille de 11 ans Sophie (Frankie Corio) en vacances dans une station balnéaire turque à petit budget. Le film est en grande partie composé de « vignettes ensoleillées » illustrant le plaisir des vacances, mais bouillonner sous la surface est « quelque chose de beaucoup plus profond et plus difficile » : il s'avère que Calum a été largement absent de la vie de sa fille, et le couple est « accablé » par un besoin urgent de se reconnecter. À cela s'ajoute un soupçon de quelque chose de plus sombre : Calum n'explique pas comment il s'est cassé le bras ; il y a des ecchymoses sur son corps; et bien qu'il aime clairement sa fille, il y a une ambiguïté non télégraphiée dans ses sentiments. Le "vrai coup de pied", cependant, est que le récit est entrecoupé de scènes dans lesquelles l'adulte Sophie, qui a maintenant un enfant à elle, rejoue constamment cette fête dans sa tête.

Le film "ondule et scintille comme une piscine de mystère", a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Wells ne force jamais le rythme, ni ne travaille le point. "Avec une confiance remarquable", elle laisse simplement le drame se dérouler comme une nouvelle "obsédante et d'une simplicité trompeuse". Le résultat est exceptionnel, a déclaré Clarisse Loughrey dans The Independent - un film doux et contemplatif, mais qui donne l'impression de vaciller au bord d'une falaise. On ne sait pas pourquoi ce temps partagé est devenu si important pour Sophie ; et elle n'apprend pas les secrets de son père. C'est un film qui "laisse derrière lui un profond sentiment de désir, et c'est l'une des émotions les plus puissantes que vous trouverez dans n'importe quel cinéma cette année".

Drame

Une fable sombrement misanthropique sur les snobs gourmands pompeux, The Menu est "un régal méchant", a déclaré Kyle Smith dans le Wall Street Journal. Le film se déroule dans un restaurant ultra-exclusif sur une île privée, accessible uniquement par bateau et sans couverture de téléphonie mobile ; régnant dessus avec une spatule de fer est un martinet renfrogné connu simplement sous le nom de Chef (Ralph Fiennes). La douzaine de convives comprend une critique de restaurant haut de gamme (Janet McTeer), une star de cinéma en déclin (John Leguizamo) et un fin gourmet obsessionnel (Nicholas Hoult). Sa compagne – jouée par la "superbe" Anya Taylor-Joy – est la seule à s'ennuyer de la prétention de tout cela, ce qui crée des frictions entre elle, son rendez-vous et le chef suprêmement sinistre. La caractérisation est un peu trop large et l'intrigue ne résiste pas entièrement à l'examen - mais si vous aimez votre comédie "aussi noire que l'encre de seiche", il y a de quoi s'amuser.

Avec chacun des convives recevant leurs justes desserts, vous pourriez le décrire comme une version adulte de la haute cuisine de Charlie et de la chocolaterie, a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph, avec Fiennes comme le personnage de Willy Wonka qui méprise le genre de personnes qui paieraient des prix absurdes pour sa bouffe élaborée. Cela s'ajoute à un thriller comique de "diabolisme rare et appétissant": le réalisateur Mark Mylod construit la tension de manière magistrale, tout en s'amusant beaucoup avec la pompeuse culinaire. Avec des cibles allant des paradis fiscaux à l'art de la performance, j'ai trouvé la satire plutôt dispersée, a déclaré Nick Hilton dans The Independent. Mais Fiennes – qui joue le chef à moitié comme un maestro étoilé Michelin, à moitié comme un chef de culte – est fascinant, tout comme Taylor-Joy. Tous deux ont "un tel magnétisme surnaturel que, franchement, je me contenterais de les regarder lire un menu".

dix

Drame

Situé dans une famille juive de Queen's, à New York, alors que l'ère Reagan se profile, le nouveau film de James Gray est un drame autobiographique "émouvant" avec "beaucoup à dire", a déclaré Paul Whitington dans l'Irish Independent. Paul Graff (Banks Repeta) est un artiste de 11 ans qui se lie d'amitié avec Johnny (Jaylin Webb), l'un des rares enfants noirs de son école du centre-ville. Le couple a tous deux des ambitions, mais ils se retrouvent dans diverses éraflures, et finalement les parents de Paul (Anne Hathaway et Jeremy Strong) décident de le transférer dans une école privée locale qui a le père de Donald Trump comme l'un de ses principaux bienfaiteurs. Paul avait déjà remarqué que les professeurs le traitaient différemment, lui et Johnny ; maintenant l'écart entre eux se creuse encore plus.

Le film est tourné de manière évocatrice, mais tout ici ne sonne pas vrai, a déclaré Geoffrey Macnab dans The i Paper. La famille est dépeinte en difficulté : le père de Paul est un homme déçu et parfois violent ; sa mère est une femme au foyer éreintée. Pourtant, avec l'aide du vieux grand-père sage de Paul (Anthony Hopkins), ils sont capables de l'envoyer dans un bastion coûteux du privilège blanc. Ce qui donne au film sa résonance, c'est la performance « féroce et non sentimentale » de Repeta. Il s'agit d'un enfant qui se rend compte lentement qu'« il est le bénéficiaire d'un système qui lui accorde régulièrement le bénéfice du doute », a déclaré Ann Hornaday dans le Washington Post, et cela commence à « s'irriter contre ce qu'on lui a dit sur son propre héritage juif de survie contre des obstacles oppressifs ». L'exploration par Gray de sa propre "conscience naissante de l'injustice" peut glisser "dans l'autosatisfaction", mais dans l'ensemble, c'est un film "d'une honnêteté désarmante" sur l'amour et la loyauté, et "comment l'identité se transforme d'une génération à l'autre".

Drame

Alors que les femmes iraniennes se soulèvent contre le régime oppressif de leur pays, c'est le bon moment pour regarder No Bears, a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian – mettant en vedette et réalisé par le dissident iranien récemment emprisonné Jafar Panahi. Dans le film, il incarne "Jafar Panahi", un réalisateur interdit de cinéma ou de sortie d'Iran, qui décide pourtant de tourner un film dans une ville turque juste de l'autre côté de la frontière. Panahi délègue la "direction pratique" à son assistant Reza (Reza Heydari), tout en regardant les débats sur Skype depuis une chambre louée dans un village iranien voisin. Là, il tombe sous le coup des chefs de village, qui l'accusent d'avoir pris une photo incriminante d'une jeune femme qui s'apprête à subir un mariage arrangé, une photo dont il insiste sur l'inexistence. La "méta-fiction" au cœur de No Bears peut sembler un peu "émotionnellement obtuse", mais ne vous découragez pas : c'est un film d'une réelle intelligence et d'un "sérieux moral".

No Bears est traversé par "des résonances politiques plus larges", a déclaré Mark Kermode dans The Observer, mais c'est aussi "un portrait perçant d'un artiste conscient de lui-même". Il est remarquable que "malgré tout ce qu'il a dû affronter", Panahi ait "l'esprit et l'humilité" de remettre en question son art avec tant de "candeur et d'autodérision". Que Panahi ait pu faire un film est étonnant, a déclaré Deborah Ross dans The Spectator, sans parler d'un film aussi drôle, captivant et stimulant que No Bears. Plus vous y réfléchissez, plus cela révèle "des vies rendues petites par des restrictions qui peuvent entraîner et entraînent effectivement une tragédie". Audacieux et courageux, il s'agit en partie du pouvoir du film ; c'est aussi du "grand cinéma".

Documentaire

Les membres du club Bradford Movie Makers réalisent "des films à budget pratiquement nul avec des valeurs de production branlantes" depuis 1932, a déclaré Cath Clarke dans The Guardian. Le documentaire "chaleureux et plutôt merveilleux" de Kim Hopkins à leur sujet "trouve la comédie dans leur passion idiosyncrasique, sans jamais être méchant ou moqueur". À l'apogée du club, il y avait une liste d'attente de plusieurs années; aujourd'hui, il est sur ses tiges. Ses effectifs diminuent et il a cinq ans de retard sur le loyer de son club-house en ruine. Pourtant, "quelques grandes personnalités" demeurent, dont Colin, un menuisier à la retraite octogénaire dont la femme vit dans une maison de soins pour personnes atteintes de démence ; et Phil, «l'enfant terrible» du club, un «garçon» quadragénaire «juron» qui réalise des courts métrages avec des titres tels que The Haunted Turnip. Il y a des moments drôles, mais c'est un film réfléchi qui a "des choses étonnamment profondes" à dire sur "la camaraderie, la communauté et l'amitié masculine".

A Bunch of Amateurs célèbre un "certain type d'anglicisme" - excentrique, passionné et "incroyablement idiot", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Au fur et à mesure que le documentaire se déroule, il devient clair qu'il n'y a pas de fin molle en magasin : les films produits par les membres du club n'auront pas beaucoup d'audience, et "en vérité n'en méritent pas". Mais là n'est pas la question : ses membres sont "des amateurs au sens premier du terme, faisant des films par amour du procédé". Le club est une bouée de sauvetage pour eux, a déclaré Alistair Harkness dans The Scotsman. "L'acte même de faire et de projeter des films" leur offre "un répit bien nécessaire à leurs problèmes quotidiens". Pourtant, les tentatives de Hopkins de transformer l'avenir précaire du club en un commentaire sur l'état de l'industrie cinématographique semblent "un peu tendues".

Drame

« Il ne se passe pas grand-chose » dans Living, le nouveau film « impeccablement écrit » de Kazuo Ishiguro, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail ; mais ce qui n'arrive pas « n'arrive pas de façon exquise ». Situé dans les années 1950 à Londres et réalisé par Oliver Hermanus, il met en vedette Bill Nighy dans le rôle de M. Williams, un bureaucrate "rigidement vénérable" qui passe ses journées à traiter les demandes de planification pour le conseil du comté de Londres. Veuf, il est une "présence bienveillante" au bureau et "une présence polie" dans la maison qu'il partage à Esher avec son fils et sa belle-fille imperturbables. Quand il apprend qu'il a un cancer en phase terminale, cependant, il décide d'ajouter "de la couleur à son existence monochrome": il saute le travail, noue une amitié platonique mais "légèrement scandaleuse" avec un ex-employé (joué "délicieusement" par Aimee Lou Wood), et défend les efforts d'un groupe de mamans de l'East End pour construire une aire de jeux pour enfants sur un site de bombe. Vivre n'est pas grisant, mais c'est beau dans sa mélancolie, "et Nighy est tout simplement superbe".

C'est l'un de ces rares films qui "peut réellement vous inspirer à vivre différemment et, peut-être, à faire quelque chose de valeur avant qu'il ne soit trop tard", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Un remake du grand film japonais Ikiru (1952), il est aussi "d'une tendresse déchirante" que l'original, et "pose la même question - qu'est-ce qui donne un sens à une vie ? - mais cette fois avec l'anglais, les chapeaux melon, le chariot sucré chez Fortnum's et Bill Nighy". Vraiment, "que demander de plus ?" Tout « se rejoint » dans Living, a déclaré Tom Shone dans The Sunday Times : « la délicieuse douleur » du scénario d'Ishiguro ; la charmante "cinéma désaturée" de Jamie Ramsay ; et surtout Nighy. En tant qu'acteur, il est aussi fiable "qu'un vieux parapluie". Ici, il a "une chance de se déployer pleinement" dans un rôle digne de ses talents.

Drame

"Causeway est une tranche excellente, émouvante et résolument discrète du cinéma indépendant américain" qui aurait facilement pu passer inaperçue sans la présence de Jennifer Lawrence, a déclaré Tim Robey dans le Daily Telegraph. Elle incarne Lynsey, une ingénieure de l'armée américaine qui retourne vivre avec sa mère à la Nouvelle-Orléans, après avoir manqué de peu de se faire exploser en Afghanistan par une bombe qui a coûté la vie à l'un de ses camarades. Dosée de médicaments et aux prises avec un "cas dramatique" de SSPT, Lynsey dérive dans sa ville natale "avec un sentiment de futilité et de déconnexion étourdissante". Lorsqu'elle rencontre James (Brian Tyree Henry), un mécanicien qui a perdu une jambe dans un accident quelques années plus tôt, ces deux "gens brisés" se lient, et le film "s'enflamme doucement". C'est un film "simple, sensible et sans fioritures", et il vaut le détour.

Lawrence a perdu près d'une décennie sur des "superproductions sans âme" et des "ratés d'art et d'essai", a déclaré Kevin Maher dans The Times ; c'est donc une joie de la voir enfin produire "le genre de performance retenue et intériorisée" qui a fait son nom dans le film indépendant de 2010, Winter's Bone. Mais elle est presque éclipsée par sa co-vedette, qui imprègne son personnage "d'humour, de compassion et de dignité de chien battu", et fonde le film sur la gravité. Causeway est superbement interprété, a convenu AO Scott dans le New York Times, mais une fois James et Lynsey réunis, le film semble incertain "que faire d'eux". La « symétrie de leurs blessures physiques et psychologiques » semble beaucoup trop « soigneusement arrangée » pour être crédible, et bien qu'Henry et Lawrence fassent ce qu'ils peuvent, ils ne peuvent pas tout à fait « donner vie aux idées statiques et floues du scénario sur la douleur, l'aliénation et le besoin de connexion ».

Drame

Florence Pugh est "formidable" dans ce drame d'époque qui se déroule en Irlande en 1862, quelques années seulement après la Grande Famine, a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Elle incarne Lib, une infirmière anglaise envoyée dans un village reculé pour observer une fillette de 11 ans (une "impressionnante" Kíla Lord Cassidy), qui aurait vécu quatre mois sans manger. Lib soupçonne que ce "miracle" est un escroquerie, perpétré par la famille de l'enfant, et décide de découvrir la vérité, aidé par un journaliste à l'esprit vif joué par Tom Burke. L'histoire est cadrée de manière peu attrayante : elle commence et se termine dans un studio de cinéma moderne. Mais le reste est bien fait et il y a de belles performances. Un mot d'avertissement, cependant: The Wonder est filmé si sombrement que "toute personne regardant sur Netflix aura besoin que les lumières du salon soient éteintes et que les rideaux soient tirés" pour avoir une idée de ce qui se passe.

Adapté du roman d'Emma Donoghue de 2016, il s'agit d'un "récit d'une étrangeté saisissante" et d'un "récit typiquement littéraire sur l'innocence, l'horreur et la culpabilité impériale", a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Sans "la sensualité, la passion et la sympathie humaine" de Pugh, le film aurait pu vaciller "sous le poids de ses artifices"; mais grâce à la "force pure" de sa performance, ça marche. Le casting est "stellaire" et la cinématographie "frappante", mais j'ai trouvé cela frustrant de manquer de nuances, a déclaré Tara Brady dans The Irish Times. "Chaque progression et rebondissement de l'intrigue" - de la grande révélation au dénouement ridicule - est tellement accentué qu'il fait "la telenovela moyenne ressembler à des voleurs de vélos". À moins que "vous soyez absolument d'accord avec le mélodrame de qualité militaire", je resterais à l'écart.

Horreur

Barbarian est un film d'horreur "ludique" qui utilise "l'un des écueils mineurs de la vie moderne" comme une "intrigue satisfaisante", a déclaré Ed Potton dans The Times. Georgina Campbell joue Tess, une chercheuse documentaire qui arrive un soir dans un quartier "déprimé" de Detroit pour un entretien d'embauche, pour découvrir que l'Airbnb qu'elle avait réservé a été loué à quelqu'un d'autre sur une autre application. Cette personne est Keith (Bill Skarsgård), qui apparaît comme un "gars sympa" tout aussi perplexe face à la situation. Tess est néanmoins méfiante, mais elle baisse sa garde lorsqu'ils partagent une bouteille de vin et se lient autour de leur passion pour la musique. Bientôt, cependant, elle découvre que la maison recèle un horrible secret. Souvent « joyeusement effrayant », il s'agit d'un « conte inventif plein de rebondissements désarmants et de nuances #MeToo », et il fait un usage évocateur des « bâtiments abandonnés et du sentiment de décomposition » de Detroit.

Cette production à petit budget a fait "d'excellentes affaires au box-office américain - et à juste titre", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail : c'est intelligent, effrayant et à certains moments "très drôle". C'est juste dommage que l'intrigue devienne moins crédible au fur et à mesure que le film avance. Pourtant, c'est "fait avec un énorme fanfaron", et "ces quelques bons rires rendent les frissons encore plus froids". Je dirais qu'il n'est que "fabriqué avec compétence", a déclaré Benjamin Lee dans The Guardian : il semble "curieusement plat", et ses échos d'horreurs telles que Don't Breathe et The People Under the Stairs ne sont pas flatteurs. Il est également frustrant de voir Campbell, "un acteur à l'intelligence claire", naviguer sombrement "dans un personnage d'une profonde stupidité": elle commence le film en tant que "femme intelligente et prudente", et le termine en tant que "folle d'esprit stupide".

Comédie dramatique

Tragédie et comédie sont "parfaitement jumelées" dans ce nouveau film "délicieusement mélancolique" de Martin McDonagh, a déclaré Mark Kermode dans The Observer. Les Banshees d'Inisherin réunit le réalisateur avec les stars de ses débuts en 2008, À Bruges : Colin Farrell joue Pádraic, un producteur laitier sur l'île fictive d'Inisherin, qui fait irruption dans la maison de son meilleur ami un après-midi de 1923, alors que la guerre civile irlandaise fait rage au loin sur le continent, pour découvrir que Colm (Brendan Gleeson) n'a aucun intérêt à venir au pub. En fait, Colm n'a plus intérêt à être amis. "Déprimé par le sentiment que le temps s'écoule" et déterminé à passer ses dernières années à composer de la musique pour violon de valeur durable, il a décidé de se débarrasser du bavardage "sans but" de Pádraic. Et bien que sa résolution semble idiote aux autres insulaires, Colm la prend au sérieux : lorsque Pádraic essaie de le persuader de repenser, Colm menace de se couper l'un de ses doigts chaque fois que Pádraic lui parle. Le film oscille « entre l'hilarant, l'horrifiant et le déchirant » ; et le casting est "note parfaite".

Ce film triste et surprenant est mon préféré de l'année jusqu'à présent, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Les personnages ont une vraie profondeur ; le dialogue est "délicieusement conçu"; le score est "glorieux". Et bien que McDonagh ait été critiqué pour avoir colporté des stéréotypes irlandais, le seul défaut que je puisse détecter est "dans le département de dentisterie": je soupçonne que "les sourires des Irlandais ruraux d'il y a 100 ans étaient plutôt brun tourbe que blanc nacré". The Banshees of Inisherin est, selon moi, "une pièce parfaitement formée", a déclaré Kevin Maher dans The Times. Toujours plein d'esprit et visuellement ravissant, il "n'a pas peur de poser des questions sérieuses sur la vie telle qu'elle est et devrait être vécue". C'est, en somme, une œuvre d'"art proprement dit".

Polar

Ce thriller Netflix est basé sur le cas réel de Charles Cullen, un infirmier du New Jersey qui a été arrêté en 2003 après avoir apparemment tué des centaines de patients, a déclaré Edward Porter au Sunday Times. Il est joué par Eddie Redmayne, qui prouve qu'il est "plus que capable d'évoquer un meurtrier desséché et tranquillement effrayant"; tandis que Jessica Chastain "ajoute de l'humanité" en tant qu'Amy Loughren, une infirmière en difficulté et une mère célibataire qui se lie avec Cullen lorsqu'il commence à travailler dans son hôpital, mais joue finalement un rôle clé dans sa chute, car il devient clair qu'il a secrètement administré des surdoses mortelles. Le film est essentiellement un rapport sur les failles administratives qui ont permis à Cullen de travailler dans une série d'hôpitaux sans détection pendant si longtemps : et bien qu'il soit un peu "gris et laborieux dans son style", les deux performances principales valent la peine d'être regardées.

Réalisé par le cinéaste danois Tobias Lindholm, c'est l'un de ces films qui "fonctionne à basse température, mijotant ses ingrédients jusqu'à la bobine finale", a déclaré James Mottram dans le Radio Times. Il y a des "moments terrifiants", mais quiconque "recherche un film de tueur en série effrayant, dans le vrai style Silence des agneaux", ferait mieux de s'abstenir. Pourtant, "comme une étude de personnage d'un esprit perturbé", le film "appuie sur tous les bons boutons". The Good Nurse est assez divertissant, a déclaré Michael O'Sullivan dans le Washington Post. Mais en fin de compte, c'est "le genre d'histoire de vrai crime qui va généralement directement au streaming". Je me suis demandé pourquoi deux acteurs aussi talentueux "pensaient que quelque chose d'aussi léger, d'aussi léger, d'oubliable valait jamais leur temps".

Drame

Emily Brontë est décédée en 1848 à l'âge de 30 ans avec un seul roman à son nom, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. "Mais ce roman était Wuthering Heights." Et ce "film séduisant" imagine ce qui aurait pu l'inspirer pour l'écrire. Écrit et réalisé par Frances O'Connor, il propose une vision spéculative, voire malicieuse, de la vie de l'auteur, dont on sait très peu de choses. On commence par la fin, avec Emily (Emma Mackey) sur son lit de mort et sa sœur Charlotte (Alexandra Dowling) atterrée par le contenu de son roman, mais ébahie par son mérite. "Comment l'avez-vous écrit ?" demande-t-elle - et nous sommes ramenés dans le temps pour le découvrir. Emily, apprend-on, est considérée comme la "bizarre" des filles Brontë; une solitaire qui déverse ses pensées dans ses histoires. Lorsque son père ecclésiastique (Adrian Dunbar) prend un nouveau curé attrayant (Oliver Jackson-Cohen), elle n'est pas impressionnée, mais son cynisme se transforme lentement en amour. Le film est "beau", magnifiquement joué et le scénario est "superbe".

Quel film "audacieux et ravissant" c'est, a convenu Deborah Ross dans The Spectator. C'est un drame d'époque qui prend des libertés, mais "il n'y a pas de Billie Eilish sur la bande originale ni de rupture du quatrième mur ou d'intertitres farceurs, ce qui est un immense soulagement". Certains aspects de l'intrigue peuvent sembler "insensés" - à un moment donné, Emily essaie l'opium; à un autre, elle est envoyée chercher son frère dans un pub et revient elle-même ivre. (Quoi? "Emily Brontë, ivre! Et défoncée!") Mais dans la "logique interne" du film, tout a du sens. Mackey est en pleine forme ici, a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. Mais le film est basé sur la simple prémisse que "faire partie de l'équipe Emily signifie enfoncer la botte dans ses sœurs". Pourtant, les Brontë étaient des joueurs d'équipe. "Pourquoi n'est-ce pas une histoire qui vaut la peine d'être racontée?"

Drame

Le roman anti-guerre classique d'Erich Maria Remarque de 1929 a déjà été adapté deux fois pour le grand écran, a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian ; mais c'est la première version en langue allemande – et le résultat est un film « puissant, éloquent » et « consciencieusement passionné », qui vaut le détour. Felix Kammerer incarne Paul, un adolescent allemand qui s'enrôle avec ses camarades de classe dans un élan de ferveur patriotique vers la fin de la Première Guerre mondiale. Il anticipe « une marche facile et fanfaronne dans Paris » ; au lieu de cela, il se retrouve embourbé "dans un cauchemar d'effusion de sang et de chaos". Pendant ce temps, dans un complot parallèle (pas dans le livre), un homme politique allemand réel, Matthias Erzberger (Daniel Brühl), tente de négocier un armistice. Le film est "un travail substantiel et sérieux, agi avec urgence et concentration", avec des scènes de bataille qui combinent parfaitement CGI avec l'action en direct.

All Quiet on the Western Front "rappelle une année 1917 plus sombre et beaucoup plus dure", a déclaré Kevin Maher dans le Times. Les coups de pied arrêtés sont spectaculaires, mais ils sont humanisés par des "détails" - les soldats apprennent, par exemple, que "le fait d'enfoncer leurs mains dans leur pantalon garde leurs doigts de détente au chaud". Certaines images persistent longtemps après la fin du film : "un corps mutilé suspendu dans les bois comme quelque chose des Désastres de la guerre de Goya", un champ de bataille de soldats qui chargent si soudainement perforé par des mitrailleuses alliées "qu'une légère brume rose, faite de minuscules gouttelettes de sang, remplit l'air". "Regardez-le sur le plus grand écran possible. Ensuite, regardez-le à nouveau sur Netflix." Il y a des moments où le film ressemble à un jeu PlayStation d'une beauté absurde, a déclaré Ed Power dans The Daily Telegraph. Mais son évocation de la guerre finit par connecter « là où ça compte vraiment : dans les tripes ».

Documentaire

« Cela fait 263 000 heures et 10 960 jours – plus ou moins – depuis que Sinéad O'Connor a déchiré une photo du pape Jean-Paul II dans Saturday Night Live », a déclaré Leslie Felperin dans le FT. La protestation de la chanteuse irlandaise en 1992 contre les abus cléricaux dans l'Église catholique a failli anéantir sa carrière – non pas qu'elle « ait fait beaucoup de bruit », comme cela ressort clairement de ce documentaire « entraînant ».

La réalisatrice Kathryn Ferguson reconstitue la vie de la pop star à travers des images d'archives et des interviews, y compris avec O'Connor elle-même ; l'image qui émerge progressivement est celle d'une rebelle invétérée dont le refus d'être dirigée a commencé lorsqu'elle s'est rasé la tête au début de sa carrière, au mépris de sa maison de disques.

Le film fonctionne comme une étude du "personnage complexe" d'O'Connor; mais quel dommage que la succession de Prince ait refusé d'autoriser les cinéastes à utiliser son inoubliable reprise de 1990 de sa chanson Nothing Compares 2 U.

Comédie

Lena Dunham, créatrice de la comédie dramatique culte de HBO Girls, n'est "peut-être pas le prénom auquel on penserait pour adapter et réaliser un film d'époque se déroulant dans l'Angleterre médiévale", a déclaré Wendy Ide dans The Observer. Mais cette comédie pour adolescents, basée sur le roman de 1994 de Karen Cushman, est un triomphe "énergique et irrévérencieux".

Bella Ramsey joue Lady Catherine, une adolescente de 14 ans qui aime les oiseaux (d'où son surnom, Birdy), qui se retrouve dans une situation délicate lorsque son père "charmant mais inepte" (Andrew Scott) gaspille la fortune familiale. Sa solution est de marier Catherine à un "gentilhomme avide de titres et de moyens"; le problème est que Catherine aime sa vie telle qu'elle est - alors elle entreprend d'effrayer ses prétendants avec "tous les trucs peu recommandables" qu'elle peut évoquer.

Ramsey a excellé en tant qu'enfant-reine "en équilibre" dans Game of Thrones, mais ici, elle apporte une malice bienvenue à son rôle; et Dunham dirige avec "l'utilisation libérale des chèvres, des oies et de l'énergie chaotique". Le film a une "approche rafraîchissante et franche de tout, de la puberté au statut des femmes du XIIIe siècle", et c'est un "délice".

Documentaire

"David Bowie était une rock star pas comme les autres", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail, il est donc normal que Moonage Daydream soit un véritable "documentaire singulier", ostensiblement sur sa vie, mais plutôt un voyage à travers son "esprit implacablement mercuriel".

L'écrivain et réalisateur Brett Morgen a obtenu un accès rare à "tous les coins et recoins" des archives de Bowie, et a fait un excellent usage de tout ce matériel : l'une des "joies principales" de ce film est "le peu [de celui-ci] que nous avons vu auparavant".

Ce film "immersif, planant, dévalant, lancinant" nous rapproche le plus possible de Bowie "en tant que personne réelle", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Morgen couvre sa vie du "berceau à la tombe", mais pas de la manière habituelle : il n'y a pas de têtes parlantes ou de graphismes clichés, par exemple. Au lieu de cela, des extraits d'interviews permettent essentiellement à Bowie de raconter le film lui-même, tandis que sa musique – remixée par son producteur de longue date Tony Visconti – fournit la bande sonore la plus luxuriante.

Comédie

Personne n'a jamais réussi à faire un film de The Mousetrap, a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph, et pour une raison très simple : Agatha Christie a insisté sur le fait qu'il ne devrait y avoir aucune adaptation cinématographique avant six mois après la fin de la pièce – ce qui, bien sûr, n'a jamais été le cas. Utilisant cette stipulation comme motif de meurtre, une équipe astucieuse a trouvé la meilleure chose suivante : un polar "délicieusement absurde" sur la pièce elle-même. Cela se passe en 1953 : le casting célèbre la 100e représentation de la pièce lorsqu'un télégramme arrive de Christie disant qu'elle ne peut pas se joindre à la fête, mais qu'elle a envoyé un gros gâteau à la place. Effectivement, dans les dix minutes, quelqu'un est mort. Le film rebondit avec un sens de l'amusement digne de Tom Stoppard - dont le nom, dans une blague courante, est donné au détective (Sam Rockwell). Parmi les suspects figurent une imprésario glamour (Ruth Wilson), un dramaturge dandy (David Oyelowo) et un producteur furtif (Reece Shearsmith). Avec une couture de pure bêtise anglaise, il s'agit d'un "manège de fête foraine au pays des théâtres, entièrement alimenté par la pensée d'une icône littéraire tournant dans sa tombe".

See How They Run est "aussi doux et léger qu'une fantaisie fondante", a déclaré Clarisse Loughrey sur The Independent. C'est le genre de film d'ensemble qui se joue comme un match de tennis, avec les acteurs qui se lancent habilement des doublures et donnent des clins d'œil à la caméra. Mais la vraie joie est le rapport entre les enquêteurs, a déclaré Ian Freer dans Empire. Rockwell apporte "un charme grisonnant de type Walter Matthau" à l'inspecteur cynique; Saoirse Ronan est encore meilleure en tant que star WPC trop impatiente frappée par les suspects. Combinant farce, drame dans les coulisses, crime potboiler et procédure policière, il s'agit d'un film "rapide, drôle et souvent élégant" imprégné de l'atmosphère des années 1950 à Londres.

Drame

Si vous "aimez votre humour méchamment sombre, à la limite du désagréable", alors "The Forgiven pourrait être le film qu'il vous faut", a déclaré Kate Muir au Daily Mail.

Ralph Fiennes joue David, un alcoolique anglais de haut niveau conduisant sa femme américaine Jo (Jessica Chastain) à une soirée chic dans un château au Maroc. Le couple se dispute comme d'habitude lorsqu'un adolescent "apparaît soudainement dans leurs phares et est tué sur le coup". Ils sont sur une route rurale sombre, alors ils cachent le corps du garçon à l'arrière de la voiture et se dirigent vers le château, qui appartient à un couple "scandaleux" (Matt Smith et Caleb Landry Jones).

Adapté d'un roman de Lawrence Osborne, il s'agit d'un film regardable qui fait bon usage de ses décors marocains attrayants, a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday. L'histoire, cependant, "manque de tension", et le réalisateur John Michael McDonagh, qui a réalisé The Guard (2001) et le "brillant" Calvary (2014), n'arrive pas à décider si sa "première priorité est d'amuser ou de servir quelque chose de charnu et de moraliste". Le temps qu'il se décide, « il est presque trop tard ».

Vous "devez faire votre propre moralisation" avec ce film, qui est "toujours un frein", a convenu Deborah Ross dans The Spectator. Mais il y a des raisons de voir The Forgiven: Fiennes et Chastain sont tous les deux "géniaux", et c'est un conte "convaincant", même si la nature humaine ne s'en sort pas du tout bien.

Comédie

Les films qui font la satire de l'industrie cinématographique elle-même sont, selon mon expérience, "rarement drôles - ou même amusants", a déclaré Leslie Felperin dans le FT. Pourtant, cette comédie espagnole "irrésistiblement idiote" parvient à être les deux, en partie grâce à Penélope Cruz, qui apporte un flair à la fois comique et dramatique au rôle de Lola, une réalisatrice non conformiste engagée par un "dilettante squillionaire" pour réaliser un film d'art qui sera son héritage. Ce film doit parler de deux frères séparés et, afin d'opposer deux opposés réels, Lola présente un "import argentin à l'esprit élevé et de formation classique" (Oscar Martínez) comme l'un des frères, et un "Espagnol fanfaron" (Antonio Banderas) comme l'autre. Pendant les répétitions, les deux hommes principaux du film « grandissent pour se détester » alors que Cruz les met à l'épreuve. Les réalisateurs Mariano Cohn et Gastón Duprat "gardent la comédie impassible" pour créer un film qui a la sensation agréable d'"une comédie visqueuse de la vieille école, bien qu'avec des bords très sombres".

La compétition officielle a certainement un casting "de premier ordre", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Mais malgré leurs "meilleurs efforts", je ne vois pas ce film avoir un attrait de masse. Il semble avoir été "conçu pour la foule des festivals de films un peu suffisants et pas cool". Eh bien, je suppose que je dois être parmi eux, car j'ai adoré ce "joyau de la langue espagnole", a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph. Martínez et Banderas sont "splendides" en tant que protagonistes de la guerre, tandis que Cruz, "qui n'a jamais eu l'air plus divin", "s'épanouit" vraiment en tant que réalisateur "cinglé visionnaire". Les décors du film vous feront hurler de rire, et le tout est brillamment travaillé. "La comédie intelligente est déjà une rareté ; une comédie intelligente qui a l'air si belle est un événement unique dans une lune bleue."

Action

Pendant des années, les films à succès ont posé des questions telles que "Comment Spider-Man ferait-il face au SSPT?" et "Comment Buzz Lightyear traiterait-il l'échec personnel et professionnel?", A déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Il y a donc une "sortie zen" à en regarder une qui "ne réfléchit à rien de plus onéreux que" qui gagnerait dans un combat entre Idris Elba et un gros chat en maraude? ""

Dans Beast, Elba joue un médecin veuf cherchant à renouer avec ses filles adolescentes (Iyana Halley et Leah Jeffries) en les emmenant au lieu de naissance de leur défunte mère en Afrique du Sud. Il doit faire amende honorable – et "sa propre conscience à sauver" – car leur mariage s'est effondré au moment même où elle tombait malade d'un cancer. Puis un lion "énorme et baveux" attaque et continue d'attaquer, et le "héros irrésistiblement faillible" d'Elbe se retrouve à se battre pour la survie de sa famille, "pas seulement au sens figuré, mais aussi dans un sens plus pressant, oh-cher-nous-allons-être-mangés". Le "match à mort homme contre animal" qui en résulte offre une "course à sensations extrêmement efficace", dont "93 minutes semblent s'écouler en environ 15".

Je ne sais pas "si cela a jamais été destiné à être un film sérieux", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Peut-être que cela n'a pas d'importance. C'est amusant, d'une manière "shlocky, gore, idiote" ; il a un CGI parfaitement décent, il glisse le long, et il ravira tous ceux qui aspirent à voir Elba "lutter contre un lion puis le frapper en plein visage" - "pas mon rêve en particulier, mais chacun à son goût". Beast ne va pas "n'importe où que vous ne pouvez pas prédire à partir de la bande-annonce", a déclaré Benjamin Lee dans The Guardian, mais le rythme ralentit rarement, et il est "réalisé - par Baltasar Kormákur - avec plus de flair que ce que l'on obtient souvent avec un tel matériel". C'est un "film B", bien sûr, mais qui "apporte son A-game".

Drame

Adaptée par Suzanne Allain de son propre roman, cette "comédie engageante, idiote et consciente d'elle-même" est une "ébat romantique Regency dans l'univers diversifié et postcolonial de l'"histoire alternative" popularisée par Bridgerton", a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Notre héroïne est Julia Thistlewaite (Zawe Ashton), "une jeune femme très nerveuse" à la recherche d'un mari dans la société londonienne à la mode, qui apprend que le célibataire le plus éligible de la ville, l'hon. Jeremy Malcolm ( Sope Dirisu ), a une "liste secrète" d'attributs qu'il recherche chez une mariée.

Lorsque Julia ne répond pas à ces exigences, elle décide de se venger en demandant à sa meilleure amie, la fille d'un pasteur sans le sou ( Freida Pinto ), de piéger Malcolm "en simulant les dix attributs avenants de sa liste". Malcolm tombe amoureux du complot et est bientôt ravi - tout comme un ancien officier de cavalerie (Theo James), un homme "si serré que son bouton de braguette aura sûrement l'œil ouvert". C'est du "divertissement bon enfant" qui n'a clairement d'autre ambition que d'amuser, et en cela, il réussit plutôt bien.

Cela ne m'a pas beaucoup amusé, a déclaré Kevin Maher dans The Times. Si léger qu'il est "presque dénué de sens", le film n'a qu'un seul élément qui le rachète : Ashton, dont la performance "stellaire" maintient à peu près le spectacle sur la route. Pinto et Dirisu, en revanche, semblent avoir mis leurs "phaseurs de charisme" en "mode d'économie d'énergie". Le film semble légèrement "peint par numéros", a déclaré Dulcie Pearce dans The Sun. Les scènes de mise en place sont "douloureusement longues et pas drôles"; le script est "lourd" ; et bien que les "costumes et parures" soient agréables à regarder, vous vous retrouverez bientôt à désirer M. Darcy.

Documentaire

Ce documentaire " espiègle et fascinant " raconte le cas plus étrange que fiction de l'homme qui se faisait appeler Brandon Lee, a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. En 1993, un "ado" aux cheveux bouclés s'inscrit dans une école de Glasgow sous des prétextes audacieusement faux : il s'agit en fait d'un homme de 30 ans qui a décidé de faire semblant d'avoir 16 ans pour pouvoir repasser ses examens et entrer en médecine. Lorsque le stratagème a été révélé en 1995, Lee est devenu une "petite sensation médiatique", mais il est devenu timide en matière de publicité ces dernières années, alors le réalisateur Jono McLeod - qui était l'un de ses camarades de classe - conçoit ici un "compromis astucieux": une confession audio de Lee qui est synchronisée sur les lèvres par l'acteur Alan Cumming, et entrecoupée d'interviews et de reconstitutions de moments clés. Le film "bouillonne d'abord de manière divertissante". Plus tard, cependant, cela devient vraiment "énervant" car il traite de la partie la plus "gênante" de l'histoire : le baiser sur scène de Lee avec une adolescente dans une pièce de théâtre à l'école.

Même si vous connaissez l'histoire de Lee, comme moi, a déclaré Deborah Ross dans The Spectator, vous vous demanderez en regardant ce documentaire : "Comment pourraient-ils ne pas savoir ? Il savait conduire une voiture ! Il aimait le Chardonnay ! Il a initié ses camarades de classe à la musique rétro !" Le film n'a pas toutes les réponses – il y a clairement quelque chose de "perturbé" qui se passe ici qui n'est jamais complètement sondé - mais vous "apprécierez la balade" de toute façon.

Considérant à quel point le comportement de Lee était "profondément étrange", j'ai trouvé My Old School "étrangement réconfortant", a déclaré Alistair Harkness dans The Scotsman. McLeod adopte un ton attrayant "perplexe" tout au long; et bien que Lee se révèle être un "personnage glissant", le film n'est pas un succès. Au contraire, "c'est une histoire de tromperie savamment conçue", racontée "avec un enjouement qui est éminemment regardable".

Drame

"Sortez les cabans, les pulls épais et les barbes touffues, car Fisherman's Friends est de retour", a déclaré Matthew Bond dans The Mail dimanche. "Oui, trois ans après que le film au succès inattendu a mis le village de Cornouailles de Port Isaac sur la carte cinématographique et nous a rappelé à tous que les chants de marins sont plutôt merveilleux tant qu'il n'y en a pas trop", l'équipe est de retour avec une suite qui reprend environ un an après l'arrêt du film de 2019. Le groupe de chants de bidonvilles a maintenant pris d'assaut les charts britanniques et apprend que "la renommée, la fortune modeste et la vie sur la route" peuvent avoir des conséquences néfastes. Le chanteur Jim (James Purefoy) traverse une période particulièrement difficile, frappant la bouteille alors qu'il est aux prises avec la mort de son père. C'est "un plaisir léger de fin d'été", rempli de "large comédie" et de "grand drame", mais c'est aussi "étonnamment émouvant", et il est soutenu par la performance "nomination-grabbingly good" de Purefoy ("oui, sérieusement"). "En ce qui concerne les suites, mes vieux cœurs, c'est formidable."

Cela ne l'a pas fait pour moi, a déclaré Wendy Ide dans The Observer. Plutôt que de bien raconter une histoire, il "tisse ivre entre les thèmes": le deuil, la toxicomanie et la santé mentale masculine surgissent tous, et le film déambule même dans "les eaux troubles du débat éveillé". Les sous-parcelles sont utilisées comme simple colle pour "coller ensemble les plans approuvés par l'office du tourisme de Cornouailles d'eaux bleu bleuet et de ciel sans nuages". Il y a aussi "des chants en harmonie étroite bien plus entraînants que quiconque n'a vraiment besoin d'entendre au cours de sa vie".

Il s'agit d'un "film bien fait" beau, tenu par une "distribution très sympathique", a déclaré Cath Clarke dans The Guardian. Mais il est extrêmement prévisible et a une saveur plutôt "fabriquée en usine". J'ai bien peur que cette franchise me donne l'impression "d'avoir touché les rochers".

Polar

Nope est "un film qui fait pour les ciels ouverts ce que Jaws a fait pour la plage et The Wicker Man pour les escapades dans les Hébrides", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph . C'est le troisième long métrage de Jordan Peele, réalisateur du hit d'horreur psychologique Get Out; et comme ce film, c'est un thriller divertissant avec une "substance riche et troublante qui bouillonne en dessous".

Daniel Kaluuya joue le rôle du taciturne OJ, qui, avec sa sœur plus grégaire (Keke Palmer), entraîne des chevaux dans un ranch du sud de la Californie pour les utiliser dans des films et à la télévision. Lorsque nous les rencontrons, ils sont confrontés à la mort mystérieuse de leur père, tué par un petit objet tombé du ciel. Nope "nous offre toutes les astuces du canon de la soucoupe volante" - fausses alarmes, "coups d'œil taquins" - tout en restant "d'une fraîcheur passionnante".

C'est l'un des événements cinématographiques de l'année, "si ce n'est de la décennie", a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. Un "riff ludique sur notre obsession pour les ovnis, Nope brouille les tropes de films de science-fiction, d'horreur et de cow-boy, tout en trouvant le temps d'explorer le racisme, le changement climatique et les sitcoms des années 1990". C'est aussi un film profondément bizarre qui "susceptible d'envahir vos rêves".

Les effets spéciaux ne sont pas mauvais, a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday, mais dans l'ensemble, le film est "douloureusement lent, surchargé d'intrigue et pas exactement inondé de performances pour vous faire plaisir d'avoir acheté un billet". J'ai peur "c'est un gros 'non' de ma part".

Action

Les préquelles font « couler mon cœur », a déclaré Wendy Ide dans The Observer : trop souvent, elles sont simplement utilisées pour « extraire un peu plus de jus d'une franchise déjà morte et desséchée ». Prey, cependant, qui relance la série Predator pour une septième sortie, "est différent". D'une part, il se déroule 300 ans avant les films précédents, dans les grandes plaines d'Amérique du Nord, où la vie des Comanches est présentée dans des détails riches et authentiques. Notre héroïne est Naru (Amber Midthunder), une guerrière dont les prodigieuses capacités de survie sont mises à l'épreuve lorsqu'une créature extraterrestre commence à tout tuer sur son passage. Au crédit du réalisateur Dan Trachtenberg, le film "reste fidèle à l'essence" de l'original de 1987 - il est "élégamment violent, graphiquement collant" et "incroyablement tendu" - tout en réussissant "en tant qu'entité autonome".

J'ai été impressionné par cet ajout à la franchise, a déclaré Benjamin Lee dans The Guardian. "C'est vraiment nouveau de voir un film de genre de cette envergure" ancré par un casting amérindien. Ce n'est pas seulement une victoire de la représentation ; cela garantit également qu'une histoire "que nous avons vue trop de fois auparavant" est racontée d'une manière intéressante et fraîche. C'est juste dommage que le film, qui est magnifiquement tourné et comporte des séquences d'action "complexes et bien chorégraphiées", aille directement à Disney +.

Ce que j'ai aimé dans ce "film d'action audacieux", c'est qu'il renforce la valeur oubliée de "risque dramatique", a déclaré Kevin Maher dans The Times. Ses personnages sont vus "en danger réel de blessure, de blessure ou même de mort, plutôt que de simplement frapper des trucs à plusieurs reprises pendant deux heures tout en portant un costume de super-héros". Bien sûr, les performances stellaires de Midthunder sont également utiles ; dans quelques courtes scènes, elle en dit tellement sur Naru que lorsque le "grand grand prédateur sanglant" se précipite pour l'attraper, nous "nous en soucions vraiment".

Drame

Nous nous souvenons tous des événements de 2018, lorsque 12 garçons et leur entraîneur de football ont été piégés dans un réseau de grottes inondées en Thaïlande, et ont été secourus – après 18 jours – par une équipe internationale de plongeurs spéléo dirigée par deux « courageux Britanniques », a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Ce que nous ne connaissons peut-être pas, ce sont les détails; ce que ça fait d'être piégé sous terre, ou de plonger sous l'eau dans l'obscurité.

Maintenant, grâce au nouveau film de Ron Howard, nous le faisons. Il s'agit d'une dramatisation "qui fonctionne à peu près à tous les niveaux": elle est passionnante, "sensible à la culture" et magnifiquement jouée. Viggo Mortensen et Colin Farrell jouent les deux plongeurs britanniques, et bien qu'ils ne soient ni l'un ni l'autre britanniques, ils réussissent brillamment : Mortensen capture le "British blokey bolshiness" de l'ex-pompier Richard Stanton, tandis que Farrell est "tranquillement parfait" en tant que consultant informatique Jonathan Volanthen. Le film arrive sur Amazon Prime, mais sa photographie sous-marine "exceptionnelle" vaut la peine d'être vue sur grand écran.

Lorsqu'il est en forme, Howard réalise des films "chaleureux, décents et diligents" caractérisés par une sorte de pondération de "papa centriste", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Et cette dramatisation "compulsivement regardable" est à son meilleur. Les séquences de plongée sont si tendues que vous "rétrécirez avec sympathie dans votre siège" ; et sagement, Stanton et Volanthen ne sont pas dépeints comme des "sauveurs venant de terres lointaines", mais comme des amateurs bourrus qui s'affrontent ainsi qu'avec l'équipe de sauvetage thaïlandaise.

Le film est certainement convaincant, a déclaré Edward Porter dans The Sunday Times, mais pour moi, il lui manque le "flair dramatique" du précédent film catastrophe d'Howard, Apollo 13. Les téléspectateurs feraient peut-être mieux de rechercher The Rescue, un documentaire captivant de 2021 sur les mêmes événements.

Comédie

Je pourrais probablement regarder cette comédie à l'ancienne "toute la journée, tous les jours pour le reste de ma vie", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Réalisé par feu Roger Michell (de la renommée de Notting Hill), il raconte le vol notoire du portrait du duc de Wellington par Goya à la National Gallery en 1961, et met en vedette Jim Broadbent dans le rôle de Kempton Bunton, le chauffeur de taxi idéaliste de Newcastle qui a affirmé avoir commis ce crime audacieux.

Le film est « merveilleusement drôle », mais aussi « réfléchi et tendre » ; si vous ne trouvez pas Bunton – le « type ordinaire incité à faire une chose extraordinaire » – entièrement « adorable » dès le départ, je « rembourserai votre billet ».

Ce film chaleureux et plein d'esprit a le "zing d'un câlin classique d'Ealing", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Broadbent et Helen Mirren, qui joue la femme de Bunton, ont rarement été meilleures. Et bien que le film n'ait pas peur de "se généraliser - une séquence émouvante est enregistrée sur l'hymne Jérusalem, pour l'amour de Dieu" - il aborde des thèmes sérieux (sur la façon dont, par exemple, les institutions devraient servir les personnes qui les financent) ; et sa subtilité "vous prend souvent au dépourvu".

Il y a des moments où il s'en prend un peu à la "noblesse ouvrière", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail : nous voyons Bunton se dresser contre le racisme et être limogé en tant que chauffeur de taxi pour avoir renoncé au tarif d'un vétéran de la guerre ; mais Broadbent "le garde réel à chaque tournant, et gère un accent Geordie passable pour démarrer", tandis que Mirren, qui fait aussi bien frumpy et opprimé qu'elle fait de la hauteur élégante, est une "superbe fleuret".

Bien qu'elle soit souvent exaspérée par son "mari pancarte", on ne doute jamais de la profondeur de leur amour. Pour ce qui s'est avéré être son chant du cygne, Michell nous a offert un véritable "beau film".

Drame

Pour mon argent, "la meilleure sortie de la semaine de loin" est ce film iranien du premier réalisateur Panah Panahi - le fils du cinéaste récemment emprisonné Jafar Panahi, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Il suit une famille de quatre personnes qui se dirigent vers la frontière turque, car le fils aîné (Amin Simiar) doit fuir le pays. Nous supposons que c'est pour des raisons politiques, mais "vraiment, ces raisons n'ont pas d'importance". C'est un film sur les familles; l'amour profond qui les unit et les façons dont ils peuvent s'effondrer. Le film a un "fort courant sous-jacent de tristesse", mais c'est un "charmeur. J'ai été accro à la scène d'ouverture, dans laquelle le fils cadet irrésistiblement mignon mais irrésistiblement méchant" (Rayan Sarlak) "cache malicieusement le téléphone portable de son père dans son pantalon".

Sarlak est l'un des enfants les plus "probablement ennuyeux" que vous rencontrerez à l'écran, a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph, mais Pantea Panahiha est aussi "merveilleuse" en tant que sa mère, "se demandant toujours silencieusement s'ils ont atteint le point de non-retour". Le film aurait pu "avoir la morosité d'un trajet en ferry Stygian"; au lieu de cela, il "pulse avec vivacité". Hit the Road est un "divertissement miraculeusement accessible" sur des personnes qui "restent courageuses" même lorsqu'elles "se noient".

La plupart de l'action se déroule dans les limites de la voiture, un espace privé qui peut être une « île de liberté » dans le pays d'origine du réalisateur, a déclaré Christina Newland dans The i Paper ; mais Panahi perce "son travail de caméra plus proche avec de superbes plans larges du paysage à proximité". C'est un film merveilleux qui affirme la vie; quelle honte, alors, qu'il n'ait pas encore été montré en Iran.

Drame

Les mots "reconstruction dramatique" peuvent être un peu atténuants, a déclaré Larushka Ivan-Zadeh dans The Times, mais "je défierais quiconque" de ne pas être saisi par "cette spectaculaire reconstruction minute par minute de l'incendie qui a englouti la cathédrale emblématique de Paris" le 15 avril 2019. Réalisé par Jean-Jacques Annaud (Le Nom de la Rose), il capture les efforts des pompiers français pour contenir l'enfer qui a presque rasé Notre-Dame jusqu'au sol, mêlant recréation dramatique, images d'archives, effets numériques et vidéo amateur. Le résultat est un mashup "documentaire/thriller/film catastrophe" qui ne réussit pas entièrement; mais si vous avez la chance de le voir sur un écran Imax, saisissez-le.

On ne sait toujours pas comment l'incendie s'est déclaré à Notre-Dame, a déclaré Phil de Semlyen sur Time Out; et Annaud sagement « couvre ses paris » sur ce mystère « en nous montrant à la fois une clope d'ouvrier et un court-circuit électrique ». Le film prend tout son sens lorsque l'enfer "presque démoniaque", qui fait rage jusqu'à 1 300°C, commence à "faire fondre les échafaudages et déverser du plomb fondu" par la bouche des gargouilles de la cathédrale. Et pourtant, à côté de ce drame, il y a des moments "étonnamment drôles". "L'église a 800 ans", note un passant à un moment donné. "Nous devrions appeler ta mère", répond sa femme.

Le film se délecte plutôt de la catastrophe, a déclaré Wendy Ide dans The Observer, mais il capture la "rage intimidante" de l'incendie, avec souvent "l'effet brûlant des sourcils". Ce que nous n'obtenons pas vraiment, c'est un "sentiment d'engagement émotionnel avec des personnages clés", en partie parce que beaucoup d'entre eux sont "cachés derrière un appareil respiratoire". À sa place, il y a "des scènes artificielles dans lesquelles des pompiers débutants partagent de la gomme, et des moments de pur fromage impliquant un adorable moppet et une bougie de prière".

Horreur

Réalisé par l'artiste Charlotte Colbert, She Will se situe "quelque part entre une horreur de vengeance féministe et un psychodrame d'art et d'essai", a déclaré Ed Potton dans The Times. Alice Krige joue Veronica, une star de cinéma fanée, qui se rend dans une maison de campagne dans les Highlands pour se remettre d'une double mastectomie. Elle espère que ce sera une idylle paisible ; au lieu de cela, il regorge de groupies d'entraide qui sont sous l'emprise du flamboyant artiste en résidence de la maison (joué par Rupert Everett). Il aime faire pipi contre les arbres et dit des choses comme "Ne dessine pas le paysage, laisse le paysage te dessiner". Pour échapper à tout cela, Veronica se retire dans ses quartiers, mais elle commence bientôt à ressentir la présence d'esprits qui hantent la forêt locale - le site des incendies de sorcières du XVIIIe siècle - et qui l'aident à se venger d'un réalisateur (Malcolm McDowell) qui l'a maltraitée dans sa jeunesse.

La performance "d'une intensité palpitante" de Krige est le "paratonnerre au cœur" de ce drame "viscéralement atmosphérique", a déclaré Mark Kermode dans The Observer. Elle fonde ses « visuels hallucinogènes sur la terre ferme des tragédies passées et des traumatismes modernes ». Tout n'atterrit pas - certains des changements de ton semblent brusques et l'intrigue peut être volontairement obscure - mais "ce sont des imperfections mineures" dans ce qui est un "récit effrayant de secrets enfouis et de vengeance rêveuse". Produit par Dario Argento, le film se veut un film d'horreur féministe "astucieusement sinistre", a déclaré Alistair Harkness dans The Scotsman; malheureusement, je l'ai trouvé "risiblement mauvais", avec un script "dramatiquement inerte" et une utilisation fastidieuse d'"un décor écossais générique comme un signifiant prêt à l'emploi de la terreur folklorique".

Documentaire

Les documentaires sportifs décents coûtent "dix pour cent", a déclaré Wendy Ide dans The Observer, mais ceux qui se penchent vraiment sur "la psychologie de leur sujet" sont rares. Ce film, sur le non-conformiste du tennis John McEnroe, est l'une de ces raretés. À l'aide d'archives, d'interviews et de graphismes souvent "lourds", il explore "l'expérience d'être un phénomène et une figure de haine pour un enfant qui sortait à peine de l'adolescence" lorsqu'il a explosé sur la scène du tennis en 1977. Le résultat est un excellent film qui mérite de trouver "un public bien au-delà des simples fans du jeu lui-même".

Ce portrait de l'enfant terrible du tennis est "délicieusement débarrassé de la flagornerie qui retient" la plupart des docs sportifs, a déclaré Ed Potton dans The Times. Son appréciation pour McEnroe est claire, mais « tempérée par une prise de conscience de ses défauts ». Parmi les personnes interrogées figurent le plus grand rival de McEnroe, Björn Borg, "dont McEnroe qualifie la retraite anticipée de" putain de tragédie absolue "" ; Keith Richards, "l'un des nombreux amis célèbres" qui apparaissent ; et la deuxième épouse de McEnroe, Patty Smyth, qui suggère qu'il est sur le spectre de l'autisme. "Il n'y a qu'une seule star, cependant, et il est franc, perspicace et extrêmement sympathique."

En conséquence, bon nombre des commentaires les plus révélateurs du film viennent de McEnroe lui-même, a déclaré Raphael Abraham dans le Financial Times. ("Trente-sept psychologues et psychiatres n'ont pas aidé", grogne-t-il à un moment donné.) Pourtant, il y a des omissions : le film ne plonge pas assez profondément dans le "brillance technique" de McEnroe pour satisfaire les "nerds du tennis", et peut-être révélateur, nous n'entendons rien du tout de sa première femme, Tatum O'Neal, ou de son ennemi juré, Jimmy Connors.

Drame

"Cinquante-deux ans après avoir fixé le cap des divertissements familiaux ineffablement sains, les enfants des chemins de fer sont de retour", a déclaré Kevin Maher dans The Times. "Et ils n'ont pas du tout changé." Oui, l'époque est passée de 1905 – lorsque le livre et le film très apprécié de Lionel Jeffries de 1970 ont tous deux été tournés – à 1944, mais les personnages sont « rassurants et familiers » : trois frères et sœurs passionnés de plein air se retrouvent évacués de Salford vers un village du Yorkshire. Là, ils sont accueillis par la directrice Annie (Sheridan Smith) et sa mère Bobbie, qui était l'aînée du trio original et est à nouveau jouée par Jenny Agutter. Il y a des tentatives pour le rendre plus pertinent pour un public moderne – les frères et sœurs se lient d'amitié avec un GI noir (Kenneth Aikens) qui s'est enfui de sa base de l'armée américaine pour échapper à son racisme violent – mais l'attrait du film réside dans son "étreinte sans vergogne" de la narration à l'ancienne. "Les passionnés de Pixar et Marvel seront peut-être repoussés, mais comment ne pas aimer les combats de conker, les ferroutages sur le commun et une finale de course au train?"

Le jeune casting "donne tout", et c'est une "joie nostalgique" de voir Agutter revenir en tant que "grand-mère résolument glamour", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday. Mais hélas, elle n'est pas à l'écran depuis si longtemps, et aucun des acteurs ne peut sauver le film de son "air légèrement opportuniste, fait pour la télévision". Ceux qui, comme moi, regardent le film de 1970 avec "une affection sans mélange" seront nerveux à propos de cette suite, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Mais ils ne devraient pas s'inquiéter : le film ne capture pas tout à fait le "charme et l'innocence" de l'original, mais il "fait un usage somptueux" de plusieurs des mêmes lieux, et est une "belle célébration d'une Angleterre et d'une marque d'anglais" qui persiste encore.

Comédie

Taika Waititi l'a fait, a déclaré Tom Shone dans The Sunday Times : il a réalisé "non seulement le meilleur film Marvel" à ce jour, "mais un véritable classique de la comédie de camp", débordant de plaisirs "voyants". Le film, qui est le quatrième film autonome de Thor dans la franchise Marvel qui compte désormais 29 personnes, commence par un "récapitulatif utile" qui explique comment le dieu du tonnerre (Chris Hemsworth) s'est relevé et a transformé son "mauvais corps en dieu corps" après la mort de "presque tout le monde qu'il ait jamais connu". Mais bien que ses pectoraux soient maintenant pointus, tout ne va pas pour le mieux : l'ex bien-aimée de Thor (Natalie Portman) a un cancer, et un "chauve fluage" joué par Christian Bale complote pour assassiner tous les dieux du royaume. L'intrigue est "le babillage fou habituel" que nous attendons de Marvel, mais l'histoire se déroule avec tant d'esprit et de brio, qui s'en soucie ? C'est exactement le genre de "film d'été stupide dont nous ne savions pas que nous avions besoin".

Continuez, a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. Cette "aventure spatiale intergalactique a une petite première moitié", et n'est pas un patch sur le dernier film Marvel que Waititi a réalisé, Thor Ragnarok de 2017, qui est largement considéré comme "l'un des meilleurs ébats de super-héros jamais réalisés". Pourtant, les fans du genre trouveront "beaucoup à aimer" ici, y compris des performances mémorables. Faites attention en particulier à Russell Crowe, qui incarne Zeus comme "un pansexuel grec ringard" avec un accent tout droit sorti de Mamma Mia !. J'ai énormément apprécié le film, a déclaré Ed Potton dans The Times. Il est vrai qu'il manque le "zing irrévérencieux" de Ragnarok, mais il "éclate de spectacle surréaliste" et de "bêtise pythonienne". Le "scénario scintillant" est vraiment drôle, et bien que Waititi ait été obligé de produire les séquences de combat CGI obligatoires, il parvient même à leur donner une certaine profondeur émotionnelle.

Animation

"Il est difficile de savoir ce qui est le plus impressionnant dans le dernier film de Pixar", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph, "son talent artistique illimité, son ingéniosité et sa verve comique folle, ou le simple fait que le studio ait réussi à le faire." Réalisée par Domee Shi, cette animation Disney + regarde carrément la puberté féminine, "avec tous les changements corporels distincts" qu'elle implique. Son héroïne est Mei, une adolescente de 13 ans de Toronto (« doublée de manière gagnante » par Rosalie Chiang), qui se réveille un jour pour découvrir qu'elle s'est transformée en panda roux géant. En l'entendant crier dans la salle de bain, la mère de Mei (Sandra Oh) suppose qu'elle a ses règles et demande énigmatiquement devant la porte : "Est-ce que la pivoine rouge a fleuri ?" En fait, Mei a développé un "trait familial secret": dans les moments "d'émotion accrue", elle devient un ours. À partir de là, le film explore le début de la puberté de Mei de manière sensible et ludique, alors qu'elle s'efforce de maîtriser son "alter ego poilu" à temps pour qu'elle puisse assister à un concert de son groupe de garçons préféré.

Turning Red mérite le mérite "d'avoir trouvé des moyens comiques et directs d'aborder la maladresse biologique et émotionnelle de l'adolescence féminine dans un film familial", a déclaré Alistair Harkness dans The Scotsman. Habituellement, c'est un sujet relégué à l'horreur. Mais une fois que Mei a appris à contrôler son propre panda, le film ne semble pas savoir où aller et finit par se sentir paresseux et familier.

"Oui, il y a une formule à l'œuvre ici" et le dialogue peut être un peu banal, a déclaré Kevin Maher dans The Times. "Mais qui n'apprécie pas un cri délicieusement manipulé ?" Avec une prémisse comme celle-ci, le film aurait pu être "horrible et prêcheur, comme une refonte éveillée du véritable dessin animé d'information publique de Disney de 1946, L'histoire des menstruations". En fait, c'est « ingénieux et léger, et profondément beau ».

Drame

Je me rends compte que ce n'est que le début, mais "si un film plus stressant" que Boiling Point arrive cette année, "je serais très surprise", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Filmé en une seule prise continue, il met en vedette cette "puissance" d'un acteur Stephen Graham dans le rôle d'Andy, le chef cuisinier et copropriétaire d'un restaurant branché de Londres. Le personnel d'Andy "le respecte et l'aime", mais nous pouvons voir quelque chose de "cassé" en lui, "et sommes dessus, nous demandant : 'Peut-il tenir le coup, ou va-t-il imploser ? Cette bouteille d'eau qu'il tient toujours. Est-ce de l'eau ?'"

Tremblant d'énergie nerveuse, Andy essaie de continuer son travail, mais ses clients ne l'aident pas : il y a une table raciste, un trio d'influenceurs qui insistent pour commander hors menu, une femme souffrant d'une grave allergie aux noix ("bonjour, le pistolet de Tchekhov") et un célèbre chef vénéneux (Jason Flemyng) qui exige un ramequin de za'atar pour accompagner son risotto ; c'est "98% là", dit-il au chef. Avec un côté improvisé, le film est aussi "tendu qu'un thriller".

C'est au crédit du réalisateur Philip Barantini que j'ai souvent oublié que je regardais un film à un plan, a déclaré Mark Kermode dans The Observer. C'est "totalement immersif, évoquant l'expérience brute d'une attaque de panique qui s'accélère inexorablement". Mais comme le thriller allemand Victoria de 2015, qui a également été filmé en une seule prise, c'est "avant tout un drame captivant et granuleux".

Graham est superbe en tant qu'homme sur le bord, a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph, mais il y a aussi "un excellent jeu d'acteur éreinté" de la part des acteurs de soutien, en particulier Vinette Robinson, qui joue un sous-chef surchargé. La seule note négative est la fin, qui essaie d'avoir un "impact percutant" mais n'y parvient pas tout à fait. Cela mis à part, c'est un film brillant qui exerce une emprise sans remords.

Action

Le Top Gun original a propulsé Tom Cruise d'"un coup de cœur à un nom familier", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Avec cette suite tardive "absurdement divertissante", nous avons peut-être le film "Cruisiest" à ce jour. Quelques instants après le générique d'ouverture, Maverick - le pilote de chasse fictif charismatique de Cruise - est rappelé dans son "ancien terrain de jeu Top Gun" pour former une nouvelle génération d'aviateurs qui se sont rassemblés pour une mission mortelle : la neutralisation d'une usine d'enrichissement d'uranium dans un lieu non spécifié à l'étranger. Parmi les jeunes se trouve Rooster (Miles Teller), le fils de l'ami de Maverick, Goose, décédé dans le premier film. Pour mon argent, c'est le meilleur film d'action en studio depuis Mad Max : Fury Road de 2015 ; c'est aussi "Dad Cinema à son apogée époustouflante - toute nostalgie robuste et camaraderie rude", entrecoupée de séquences de vol "si ridiculement excitantes" qu'elles semblent inverser le cinéma "à 180 degrés".

Ce film n'est pas à court d'"action rock'n'roll de pilote de chasse", a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian, mais bizarrement, il n'a rien de la "tension homoérotique" de l'original. "Où, oh où, est la serviette autour de la taille, l'intensité du vestiaire semi-nu entre les gars?" Plus étrange encore, il est même "moins progressiste sur les questions de genre" que le blockbuster de 1986, qui a au moins mis une femme aux commandes (l'instructrice civile de Kelly McGillis).

C'est vrai, les rôles féminins ici sont assez ingrats, a déclaré Clarisse Loughrey sur The Independent, mais le film est tellement "putain de plaisir" qu'on en oublie de s'en soucier. Le réalisateur Joseph Kosinski a créé "le genre de spectaculaire coup de poing qui peut unir une pièce entière pleine d'étrangers assis dans le noir et les laisser avec une larme mélancolique dans les yeux" pour démarrer.

Drame

Licorice Pizza est le "coup de poing métaphorique dont nous avons tous besoin en ce moment, pour aller avec le vrai", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Le film « irrésistible » de Paul Thomas Anderson déborde de « charme effervescent » et de « rires de ventre » ; "J'en ai chéri chaque minute." Se déroulant en Californie en 1973, le film est un conte "garçon-rencontre-fille-au-lycée", mais la torsion est qu'un seul des amants est à l'école. Il s'agit de Gary (Cooper Hoffman), 15 ans, un enfant acteur qui tombe amoureux d'une assistante photographe de 25 ans, Alana (Alana Haim) lorsqu'elle visite son école pour prendre les photos des élèves.

Tourné sur un film 35 mm riche et granuleux, Licorice Pizza "fait un travail superbe" en recréant le Los Angeles des années 1970, a déclaré Geoffrey Macnab dans The i Paper. Hoffman a le même "charme et force de personnalité" que son père, le regretté Philip Seymour Hoffman, tandis que Haim - mieux connue en tant que musicienne - apporte une pointe intrigante à son rôle de "femme (légèrement) plus âgée qui n'arrive pas à croire qu'elle tombe amoureuse d'un adolescent". Le style narratif est "délibérément décousu", l'histoire se déroulant en épisodes vaguement joints, mais le résultat est si subversif et drôle que vous pardonnez son "approche hirsute de la narration".

J'ai bien peur d'avoir trouvé la structure épisodique plutôt "exténuante", a déclaré Kevin Maher dans The Times. Anderson est "beaucoup trop doué pour faire une puanteur", mais le film n'est pas un patch sur ses meilleurs films, tels que There Will Be Blood et The Master. Alors que l'histoire d'amour se veut "adorable, mignonne et câline", elle m'a semblé artificielle. Alana exprime l'un des principaux défauts du film lorsqu'elle demande à sa sœur : "Est-ce que c'est bizarre que je traîne avec Gary et ses amis de 15 ans ?" La réponse, telle que les personnages sont présentés ici, est : "oui".

Drame

"Kenneth Branagh a fait un chef-d'œuvre", a déclaré Kevin Maher dans The Times. Belfast, situé dans la ville en 1969, est un "portrait profondément émouvant d'une famille en péril", inspiré de la propre enfance de Branagh : sa famille s'est enfuie à Reading cette année-là, alors qu'il avait neuf ans. Le film met en vedette Jude Hill dans le rôle de Buddy, un protestant qui grandit dans une "famille chaleureuse et bavarde", dont l'enfance insouciante est brisée lorsqu'une "foule loyaliste" se déchaîne dans leur communauté pacifique, en grande partie protestante, "brisant les fenêtres et criant:" Catholiques dehors! non sans cliché, est recouvert d'effroi et "d'une attente de conflit physique". Les points forts du film incluent un "tournant extrêmement charismatique" de Dornan et la cinématographie principalement en noir et blanc de Haris Zambarloukos, qui parvient "à surpasser les Roms roms image après image de gob-smackers méticuleusement éclairés".

Le film bascule dans la nostalgie : parfois, il ressemble à un mélange de Cinema Paradiso et Hope and Glory, a déclaré Deborah Ross dans The Spectator – mais c'est tellement "sincère, chaleureux et authentique" qu'on le pardonne. J'ai jailli au moins trois fois; De plus, il y a des répliques très drôles, dont beaucoup sont prononcées par les grands-parents de Buddy (Judi Dench et Ciarán Hinds). "Pour certaines personnes, peut-être, la couture de sentimentalité qui traverse l'image pourrait être trop", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. "Mais il faudra un cœur de pierre pour ne pas l'embrasser." Le film a une partition "merveilleuse" de Van Morrison et - un bonus supplémentaire - il est relativement court, à un peu plus d'une heure et demie.

Documentaire

« Avez-vous déjà regardé une vache dans les yeux ? Si vous regardez le documentaire d'Andrea Arnold, "vous le ferez certainement", a déclaré Clarisse Loughrey dans The Independent. Tourné pendant quatre ans dans une ferme laitière du Kent, ce film étonnamment captivant et en grande partie sans paroles attribue une grande partie de sa durée de 94 minutes à un Holstein-Friesian appelé Luma. Nous la regardons accoucher. Nous la regardons ruminer. Nous la regardons se « brancher à une machine à traire, ses buses écartées comme des têtes de sangsues affamées » – puis « nous regardons à nouveau ces processus. Plus de naissance, plus de lait. Le film est "crasseux et sans fard" ; il capture la "cruauté banale" infligée aux vaches laitières - mais il y a aussi des moments de poésie : "à un moment donné, Arnold surprend même Luma regardant rêveusement vers les étoiles".

"Ce n'est certainement pas le premier film à faire valoir que l'agriculture industrielle et le bien-être animal sont des compagnons de lit difficiles", a déclaré Wendy Ide dans The Observer. Pourtant, ce documentaire "important" "favorise une intimité et un lien affectif avec son sujet bovin rarement atteint ailleurs". Les clichés ont une "urgence à main levée, l'objectif positionné au niveau de la mamelle et des yeux" ; révélateur, il s'écoule 45 bonnes minutes avant que nous « apercevions même un brin d'herbe ». C'est un film sombre et difficile, a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Pourquoi regarderais-je une vache pendant 94 minutes ? « Qu'est-ce que cette vache fait de si intéressant ? » Mais on finit par s'en soucier, et le final, quand il arrive, est dur à supporter. Le problème, c'est que les végétaliens connaissent déjà l'élevage laitier industriel, et les autres ne chercheront pas ce film, car ils préfèrent détourner le regard. Tout ce que je peux dire, c'est que "la prochaine fois que je suis allé mettre du lait dans mon thé, j'ai senti les grands yeux de Luma sur moi. C'est donc absolument obsédant de cette façon."

Animation

"Il y a déjà eu une préquelle à la série Despicable Me [Minions, 2015]", et elle s'est avérée si populaire que nous en avons maintenant une autre, a déclaré Edward Porter dans The Sunday Times. À en juger par les rires lors de la projection "pleine d'enfants" à laquelle j'ai assisté, cet ajout à la franchise fait mouche auprès de son public cible. Le film reprend peu de temps après l'arrêt des Minions, en 1976, lorsque le futur supervillain Gru a 11 ans (mais toujours exprimé par Steve Carell) et commence à peine à connaître ses petits comparses jaunes, les Minions (exprimés, la plupart d'entre eux, par Pierre Coffin). Lorsqu'un gang de criminels endurcis connu sous le nom de Vicious 6 évince leur chef, Gru espionne une opportunité et complote pour devenir leur cheville ouvrière. L'intrigue est un peu "fragile", mais le film est racheté par sa "comédie dispersée" et son immense "sens du plaisir".

Il a ce que les films Moi, moche et méchant font de mieux, a déclaré Wendy Ide dans The Observer : beaucoup de sottises, "folle, énergie looney-tunes" et une "grosse framboise humide soufflée face à la sophistication". Il n'y a "pas grand-chose de nouveau" ici; le film est un "barrage presque implacable de gags visuels, de jeux de mots et de violence de bande dessinée effervescente", et le résultat est "épuisant" mais "extrêmement drôle".

"Certains pensent que le concept des Minions s'est essoufflé", a déclaré Ed Potton dans The Times. Ce film a suffisamment de "vim, d'esprit et d'invention" pour suggérer le contraire. Même les noms des personnages sont amusants et inventifs : on rencontre par exemple Jean-Clawed, un criminel avec une pince de homard en guise de main, et Nun-Chuck, une nonne brandissant un nunchaku. "L'ambition ignoble de Gru", quant à elle, s'avère "étrangement touchante": voici un gamin "qui veut vraiment être bon à être mauvais".

Polar

Depuis 1989, cinq Batmen en direct ont "entré et sorti" de nos cinémas, a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph – vous pourriez donc vous demander si un sixième pourrait offrir quelque chose de nouveau. Mais pour ce dernier opus, le réalisateur Matt Reeves a fait quelque chose de frais et de surprenant : The Batman est moins un film de super-héros qu'un thriller policier « sinueux » avec l'intrigue d'un film noir.

Nous rencontrons le jeune reclus Bruce Wayne (Robert Pattinson) alors que son "Gotham Project" consiste encore principalement à combattre des agresseurs et à aider un détective de la police locale (Jeffrey Wright) dans la ville en décomposition. Mais cela change lorsque les deux trouvent le maire de Gotham battu à mort avec un message codé à côté de lui. Cela vient du Riddler (Paul Dano), un méchant qui, dans ce film, reçoit une plausibilité effrayante.

Le jeu des acteurs est superbe, a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. Le Wayne de Pattinson est gâté et immature, mais aussi intelligent et plein de doutes : "En gros, Hamlet en cagoule." Zoë Kravitz est glorieuse en tant que Catwoman, tandis que Dano livre une performance "à couper le souffle" intense et nuancée. C'est l'un des films les plus audacieux de l'année : j'ai été amusé, diverti, intoxiqué et choqué.

Pour ajouter au plaisir, ce film "sombrement splendide" ressemble à une œuvre d'art, disait Tom Shone dans The Sunday Times, avec "un mélange enveloppant de couleurs torréfiées et d'ombres noirâtres". Et les décors d'action sont exécutés de manière passionnante, a déclaré Christina Newland dans The i Paper - parmi lesquels une voiture rugissante poursuit sur une autoroute torride et éclairée en orange la nuit. Il y a des explications maladroites dans la seconde moitié, mais avec son intrigue intrigante et son héros semé de contradictions, il devrait être l'un des succès de l'année.

Biopic

Le biopic Elvis de Baz Luhrmann n'est pas "autant un voyage" que sa comédie musicale Moulin Rouge de 2001 !, mais "ce n'est jamais moins que stimulant" à regarder, a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail - "un spectacle autant qu'une histoire", avec de nombreuses fioritures du réalisateur, y compris le montage délicat, l'écran partagé et le ralenti. Austin Butler assume le rôle titre, tandis que Tom Hanks, vêtu d'un gros costume et d'acres de bajoues prothétiques, est à peine reconnaissable en tant que colonel Tom Parker, le manager autoritaire de Presley.

Le film couvre la majeure partie de la vie de Presley, de son ascension vers la gloire au milieu des années 1950 jusqu'à sa mort en 1977 : nous le voyons enregistrer ces premières chansons à Memphis ; Faire des films; s'enrôler dans l'armée américaine; rencontrer sa future épouse Priscilla (Olivia DeJonge); et enfin, en surpoids et malheureux pendant sa longue résidence à Vegas. L'histoire sera familière à beaucoup, mais le film offre "un rappel vivant" d'une vie extraordinaire.

Le problème, c'est qu'il s'agit moins d'un film sur Elvis que d'une "bande-annonce de 159 minutes pour un film appelé Elvis", a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Cela ressemble à un "montage implacable et frénétiquement flashy", à la fois "épique et négligeable" sans "variation de rythme".

Le film n'a rien de profond à dire sur le personnage ou la musique de Presley; il le "rénove" avec des sensibilités libérales, contourne les aspects les moins savoureux de sa vie et fait à peine allusion à "l'échec et la souffrance". Même dans les années " Fat Elvis ", nous ne voyons jamais " qu'un soupçon de graisse convenable ", et il n'y a aucune vue sur les " beuveries de burger dégoûtantes ou les couches pour adultes ".

Le film est étrangement superficiel, a convenu Deborah Ross dans The Spectator. Butler est un Elvis "charismatique", mais "nous n'avons jamais l'occasion de regarder dans son âme"; c'est juste un "simple gars qui veut chanter la musique qu'il aime". Pourtant, le film "fizz" et bien qu'il soit très long, il n'est jamais ennuyeux.

Drame

"Avec la plupart des films, vous savez exactement ce que vous obtiendrez dans les dix premières minutes", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Ce n'est pas le cas avec Parallel Mothers : un drame "délicieux et magnifiquement stylé" du réalisateur espagnol Pedro Almodóvar. Penélope Cruz joue le rôle de Janis, une photographe qui a une aventure avec un anthropologue médico-légal appelé Arturo (Israel Elejalde). Elle tombe enceinte et quand Arturo se tient aux côtés de sa femme, qui a un cancer, elle décide d'élever le bébé seule. A l'hôpital, Janis rencontre Ana (une "formidable" Milena Smit), une adolescente dont la situation est encore plus compliquée, et dont la vie se confond avec la sienne. Parallèlement à ce drame domestique se déroule un deuxième volet de l'intrigue, concernant le désir de Janis de faire exhumer par Arturo la fosse commune où son grand-père a été enterré pendant la guerre civile espagnole. Le récit est sinueux et plein de surprises, mais "tout cela forme un ensemble immensément riche et satisfaisant".

Entre des mains moins habiles, a déclaré Wendy Ide dans The Observer, la "double focalisation du film, qui nous fait avancer et reculer" dans le temps, aurait pu être difficile à manier. Mais Almodóvar "en fait une danse légère", tissant habilement les nombreux fils de l'histoire. C'est surtout Cruz qui donne le ton « avec une performance qui dégage de la chaleur » ; elle n'a sûrement "jamais été meilleure". Cruz apporte certainement "une vie incontestable et flamboyante" au film, a déclaré Edward Porter dans The Sunday Times, mais j'ai trouvé sa gestion de l'histoire maladroite. Les libéraux en Espagne font pression pour "exhumer les crimes des années franquistes, un programme farouchement combattu par les populistes de droite" ; en "faisant sa part" pour la cause, Almodóvar a élargi la gamme de son travail, mais a créé un "film légèrement inégal".

Animation

Un mariage de "spectacle éblouissant, d'action à haut indice d'octane et de commentaire social", ce film d'animation japonais a reçu une standing ovation de 14 minutes lors de sa première à Cannes, a déclaré Tara Brady dans The Irish Times. L'histoire tourne autour de Suzu, une lycéenne de 17 ans qui n'est pas remarquable, mais pour sa voix de chant extraordinaire - qu'elle ne peut pas se résoudre à utiliser en public. À l'école, elle n'est pas une grande cogneuse socialement, jusqu'à ce qu'elle s'inscrive à "U", un monde virtuel "quelque part entre Instagram et The Fifth Element" qui permet à ses utilisateurs de vivre comme des avatars idéalisés.

Dans ce métaverse, Suzu renaît sous le nom de Belle, "une beauté chantante aux cheveux roses" qui devient une sensation du jour au lendemain. Les meilleures scènes du film ne sont cependant pas les "tableaux déchaînés" qui jouent sous ses ballades J-pop, mais "les échanges d'adolescents qui font rougir, les préoccupations familiales", et même, dans une intrigue tardive, une dramatisation puissante (mais délicatement manipulée) de la maltraitance infantile.

Ce conte de fées de science-fiction finement observé et magnifiquement animé est l'un des meilleurs du réalisateur Mamoru Hosoda à ce jour, a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Longtemps "captivé par les espaces numériques abstraits", il a créé ici un métaverse scintillant qui "vous impressionne par son volume de détails lunatique". Et bien que l'intrigue doive beaucoup à La Belle et la Bête, l'exploration du film de "notre double vie en ligne et hors ligne" est entièrement nouvelle.

Le message central de Belle est puissant, a déclaré Simran Hans dans The Observer - que plus nos personnages en ligne capturent qui nous sommes vraiment, "plus ils deviennent puissants". Dans l'ensemble, c'est un anime pour gonfler le cœur.

Biopic

"Le nôtre n'est pas un pays - et Dieu merci pour cela - dans lequel une société appelée Praise The Lord Television pourrait jamais devenir un puissant réseau de diffusion", a déclaré Brian Viner dans le Daily Mail. Pourtant, aux États-Unis, PTL était autrefois le quatrième réseau de télévision derrière NBC, ABC et CBS. Ce biopic "étonnamment émouvant" raconte l'histoire du couple derrière PTL, Tammy Faye Bakker (l'oscarisée Jessica Chastain) et son mari prédicateur Jim (Andrew Garfield). "Une Barbie et un Ken évangéliques", ils ont commencé par le bas avec un spectacle de marionnettes, et ont progressivement gagné une suite télévisée culte, convaincant les téléspectateurs que "plus ils donnaient, plus Dieu les aimerait". Mais leur "temple criard s'est effondré" en 1987, lorsqu'il est apparu que Jim "avait détourné des fonds, en utilisant même une partie pour payer un secrétaire d'église qui alléguait l'avoir violée".

C'est sans aucun doute "le film de Chastain", a déclaré Tom Shone dans le Sunday Times. Sa Tammy Faye est une "poupée gonflable d'une féminité grotesque et martyrisée". Avec une "manière gazouillante, aw-shucks" et un bronzage "la couleur d'une dinde badigeonnée", elle est un faux "de part en part" - comme l'une des pin-up pop-art de Roy Lichtenstein "gonflée si grande que vous pouvez voir les points". Chastain est sur une forme "fabuleuse" à indice d'octane élevé ici, a déclaré Matthew Bond dans The Mail dimanche, et bien égalé par Garfield; mais c'est un peu "une note" avec le "sourire constant et 'Dieu m'a dit qu'il veut...'". Et aucune quantité de cheveux et de maquillage brillants ne peut compenser les lacunes du scénario. Tammy Faye est dépeinte comme une femme "apparemment aveugle" aux méfaits autour d'elle - et c'est dommage, car "les méfaits sont ce qui a rendu les Bakker intéressants".

Drame

Cette histoire de bravoure en temps de guerre est le genre de film à regarder "avec son père un dimanche après-midi, avant ou après Ice Cold in Alex", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Basé sur un livre de Ben Macintyre, il raconte une opération britannique pour dissimuler l'invasion alliée de la Sicile en 1943. Colin Firth et Matthew Macfadyen jouent le rôle des deux officiers du renseignement qui ont dirigé la mission, qui impliquait d'obtenir le cadavre d'un Gallois, de le mettre dans l'uniforme d'un Royal Marine, de le charger de faux papiers "top secret" sur un projet d'invasion de la Grèce, et de le jeter dans la Méditerranée. Réalisé par John Madden (Shakespeare in Love, The Best Exotic Marigold Hotel), et mettant en vedette non pas un mais deux Mr Darcys, le film est bien interprété et "très agréable".

Il s'agit d'un film bien conçu et "magnifiquement monté", qui recrée minutieusement l'apparence et l'ambiance de Londres en temps de guerre, a déclaré Geoffrey Macnab dans The i Paper. Le jeu des acteurs est également "sincère et fort"; Outre les deux protagonistes, nous avons également Simon Russell Beale dans le rôle de Churchill, Johnny Flynn dans le rôle du jeune officier de marine Ian Fleming ("à quelques années de l'écriture de ses premiers romans Bond") et Kelly Macdonald, qui figure dans une intrigue secondaire romantique. "Ce qui manque au film, cependant, c'est un réel sentiment de bouleversement dramatique ou de surprise." En substance, c'est l'histoire d'une "farce élaborée", et une fois que les officiers ont largué le corps leurre dans la mer, ils n'ont plus grand chose à faire qu'à "attendre que les nazis mordent à l'hameçon".

Madden avait beaucoup à couvrir dans un film de deux heures, a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph, et le rythme est un peu décalé, avec des sections somnolentes au milieu, un troisième acte précipité et énormément d'exposition en cours de route. C'est dommage : c'est regardable, mais aurait pu être mieux fait.

Animation

L'animation rotoscopée de Richard Linklater, qui se déroule en 1969, est une histoire d'enfance discrète mais "évocatrice" vaguement inspirée de celle du scénariste-réalisateur, a déclaré John Nugent dans Empire. Il est raconté par Jack Black comme la version adulte du protagoniste Stanley (Milo Coy), un rêveur qui vit dans la banlieue de Houston et dont le père est employé dans un emploi administratif à la Nasa. Comme tout le monde, Stanley est obsédé par la prochaine mission Apollo 11 sur la Lune, mais dans son récit de cette année-là, il y a eu un autre atterrissage secret sur la Lune quelques jours avant, un essai pour lequel des agents de la Nasa l'ont recruté comme astronaute. La raison : ils avaient "construit le module lunaire un peu trop petit", ce qui signifie que seul un enfant pouvait y entrer. La technique du rotoscope consiste à tracer des séquences de films en direct et donne une "esthétique étrange et hyperréaliste" qui convient bien au mélange de réalité et de fantaisie de ce film.

Avec un "jugement astucieux en matière de narration", Linklater ne fait du "rêve lucide" de Stanley qu'une petite partie de ce qui est par ailleurs un récit "extrêmement réel", mais plus ou moins sans intrigue, d'une enfance des années 1960, a déclaré Peter Bradshaw dans The Guardian. Ses souvenirs de l'époque sont "conservés avec un connaisseur passionné" - "les saveurs des glaces, les émissions de télévision, les ciné-parcs, les jeux de la cour d'école, les parents, les grands-parents excentriques, les manèges du parc à thème, les voisins, les appels téléphoniques farfelus".

Linklater a réalisé des films "catastrophiques" depuis Boyhood, son "chef-d'œuvre" de 2014, a déclaré Kevin Maher dans The Times, mais Apollo 10½ est un retour triomphal à la forme. Riche en détails d'observation et saturé de références "aimantes" à la musique, aux films et à la télévision de l'époque, "il semble aussi significatif qu'un mémoire américain comme Little House on the Prairie".

Horreur

"Vous devriez vraiment vous entraîner avant de vous soumettre à ce Viking Braveheart", a déclaré Tom Shone dans le Sunday Times. Adaptation du conte folklorique nordique qui a inspiré Hamlet, le film est "une bête" - un "enchevêtrement de sang, de muscles et de vengeance grognant, hurlant et sanglant" qui est à la fois "incroyablement violent et magistralement étrange". L'histoire tourne autour d'Amleth (Alexander Skarsgård), un prince qui, enfant, a vu son oncle (Claes Bang) assassiner son père avant d'enlever sa mère (Nicole Kidman) et de s'emparer du trône. Amleth s'enfuit à l'étranger mais revient dans le royaume à l'âge adulte, transformé par les années qui ont suivi en un énorme "berserker" viking avec un "cœur de feu froid" qui est maintenant déterminé à se venger. "Le film ne semble pas tant tourné et monté que tombé du ciel par des corbeaux et mis en forme dans une forge." Je l'ai aimé.

The Northman a été proclamé "chef-d'œuvre", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday, mais je ne vois pas pourquoi. "Oui, ça a l'air magnifique", mais il n'y a rien de plus que "du muscle et du machisme" dans le rôle de Skarsgård – et comment ce film "s'est échappé avec seulement un certificat de 15 me dépasse".

C'est violent, dit Kevin Maher dans The Times, mais c'est aussi plutôt niais. Le réalisateur Robert Eggers (The Witch, The Lighthouse) prend ses "beefcakes scandinaves" si au sérieux qu'il y a des moments où le film tombe dans le "camp risible". « Dors bien, lame de nuit », était la ligne qui m'a fait rire, et après cela, il était difficile d'arrêter. D'autres morceaux amusants par inadvertance sont la romance d'Amleth avec un "esclave impertinent" joué par Anya Taylor-Joy, et les accents chantants de la distribution. Le film est un fiasco d'une note, une "représentation parsemée de mousse du machisme des dessins animés" d'un réalisateur qui aurait dû mieux le savoir.

Drame

Les débuts "bien-aimés" du scénariste-réalisateur britannique Harry Wootliff en 2018, Only You, étaient centrés sur un couple ayant des problèmes de fertilité, a déclaré Leslie Felperin dans le FT. Son second long métrage, True Things, « déconcertant et enivrant », adapté d'un roman de Deborah Kay Davies, retrace une relation un peu plus troublée, impliquant une « obsession érotique destructrice ».

Kate ( Ruth Wilson ) est une agente des avantages sociaux de la classe moyenne avec "une séquence sauvage à peine cachée". Elle est insatisfaite de la vie et déjà en difficulté pour des retards persistants au centre d'emploi de Margate lorsqu'un de ses clients, un "sexy bit of rough" avec un casier judiciaire (Tom Burke) l'invite à déjeuner. En quelques heures, ils font l'amour dans un parking. Elle se réfère à cet homme sans nom comme "le Blond", et est bientôt folle de lui. Mais il semble que la faim soit la sienne et, avec une terrible inévitabilité, il commence à profiter de son engouement.

Pour Kate, la romance est une "illusion" et une "dépendance", et il y a un "élément de folie à ce sujet -" des cauchemars, des hallucinations, ouvrir un abîme ", a déclaré Tim Robey dans The Daily Telegraph. "La cinématographie nous pousse audacieusement au bord du gouffre avec de la pluie sur l'objectif", et le montage devient "fragmentaire". latable.

Burke est bon aussi, prêtant habilement au blond un air de "romantisme du vieux monde", a déclaré Clarisse Loughrey sur The Independent. Mais le problème avec le film est qu'il est encore trop clairement un goujat, ce qui nous empêche de nous identifier à Kate. Et bien qu'il y ait des indices intrigants que son obsession est une rébellion contre les attentes sociales auxquelles elle est confrontée en tant que femme dans la trentaine, cette idée reste sous-explorée.

Polar

"Si, comme moi, vous êtes un fan de films de gangsters à l'ancienne, ce nouveau film sinueux et agréable mettant en vedette Mark Rylance va probablement gratter cette démangeaison", a déclaré Christina Newland dans The i Paper. Le film se déroule dans les années 1950 à Chicago et présente "des foules en guerre, des fusillades, des rats et des doubles croix à gogo". L'action elle-même est limitée à un seul endroit : une boutique de tailleur dans laquelle Rylance, connu des clients comme « anglais », exerce son métier. Ancien coupeur de Savile Row, il confectionne désormais des costumes pour les gangsters locaux.

Lorsque Richie (Dylan O'Brien), le fils du chef de la mafia Roy (Simon Russell Beale), apparaît dans la boutique une nuit, saignant d'une blessure par balle, English est pris au milieu d'une guerre de gangs qui transforme sa boutique en QG temporaire de la mafia. Le script est superbe, et bien que les visuels soient fades et que certains acteurs soient un peu inégaux, l'histoire est "certaine de garder les téléspectateurs captivés".

"Vous pouvez attendre une grande performance de Mark Rylance toute l'année et puis - comme les bus à impériale - deux arrivent", a déclaré Tom Shone dans le Sunday Times. L'acteur était "sublime" en tant que golfeur amateur dans Le Fantôme de l'Open du mois dernier, et il est aussi "hypnotisant" dans ce thriller policier. Dès les premières images, alors que nous le regardons "préparer une théière, huiler ses ciseaux et commencer à couper du tissu", vous pouvez dire que le rôle était "sur mesure" pour lui.

Oui, Rylance est sur une forme "tranquillement convaincante", a déclaré Matthew Bond dans The Mail on Sunday, mais sa performance ne sauve pas ce film aux allures de jeu de ses nombreux défauts. D'une part, l'intrigue se tord "lutte pour convaincre"; d'autre part, il y a tout simplement "trop d'acteurs britanniques jouant des américains". Le "thriller en un seul set" du premier réalisateur Graham Moore est une "expérience courageuse", mais malheureusement, c'est celle qui "ne fonctionne pas tout à fait".

Drame

Bonne chance à vous, Leo Grande a été très médiatisé "comme le film dans lequel Emma Thompson enlève son kit", a déclaré Matthew Bond dans The Mail dimanche. Mais avant que l'actrice ne laisse sa "robe de chambre glisser" dans ce film "amusant, révélateur et vraiment très sexy", il y a énormément de discussions - à tel point que parfois, cela ressemble plus à une "pièce de théâtre en un seul plateau" qu'à un film.

Thompson joue Nancy, une ancienne enseignante RE veuve qui n'a jamais eu de bonnes relations sexuelles avec son mari, et décide donc de payer Leo (Daryl McCormack), une belle escorte irlandaise, pour le fournir. Le film se déroule principalement dans la chambre d'hôtel où ils se rencontrent. Certains d'entre eux étirent la crédibilité, mais Thompson est un "acte de classe" tel qu'il "vaut vraiment le coup d'œil".

Écrit par la comédienne Katy Brand, "c'est un film captivant et important", a déclaré Deborah Ross dans The Spectator. Les femmes plus âgées sont généralement les "personnages les moins développés" du cinéma, et il est "pratiquement inouï" de voir une seule bande, et encore moins d'énumérer les différentes positions sexuelles qu'elle aimerait essayer.

Il y a une "véritable chimie" entre les protagonistes et des "moments merveilleusement comiques", comme lorsque Nancy dit qu'elle s'est résignée à ne jamais avoir d'orgasme. "Ce n'est pas un œuf de Fabergé, Nancy", répond Léo. "Les gens en ont tous les jours."

J'ai peur de ne pas avoir été très charmé, a déclaré Donald Clarke dans The Irish Times. Oui, le film célèbre la « sexualité sexagénaire », mais il est un peu trop fier de sa « prétendue bravoure », et les personnages sont tous plutôt familiers. Nancy est la "sorte de sac à main Silly Billy" que Thompson pourrait jouer dans le coma, tandis que Leo est "absurdement décent, articulé, compréhensif et patient" - des qualités que "peu d'humains en dehors du Nouveau Testament" montrent avec une telle abondance.

Drame

Playground "capture exactement ce que l'on ressent à sept ans et à commencer une nouvelle école, ce qui est une autre façon de dire que c'est le film qui provoque le plus d'attaques de panique de l'année", a déclaré Robbie Collin dans The Daily Telegraph. Bon nombre des événements qu'il décrit sont "assez ordinaires"; la puissance du film belge réside dans la performance centrale "au cœur plausible" de Maya Vanderbeque dans le rôle de Nora, une nouvelle élève troublée qui doit apprendre à négocier la vie scolaire.

Vanderbeque agit avec "le genre d'intégrité psychologique immaculée qui ferait que Daniel Day-Lewis laisserait tomber son kit de bricolage", et la réalisatrice Laura Wandel en profite en réalisant le film principalement du point de vue de l'enfant - de sorte que les élèves plus âgés "surgissent" devant elle, les adultes ne sont guère plus que des "jambes désincarnées", et le vacarme de la cour d'école ressemble à celui d'une "zone de guerre". En raison d'un "moment bref et effrayant de violence entre enfants", Playground a une note de 15, ce qui est dommage car un public plus jeune bénéficierait sûrement de regarder "une représentation aussi frappante de la vie pré-adolescente".

"Parfois, le cinéma est à son plus puissant et captivant lorsqu'il est réduit à l'essentiel", a déclaré Wendy Ide dans The Observer. Ce film "d'une puissance inconfortable" en est un exemple: d'une durée d'un peu plus d'une heure, avec un travail de caméra portable et sans partition, il jette un regard "perçant et perspicace" sur la "dynamique semi-sauvage de l'enfance", sans insister sur le point.

"L'univers hobbesien bec et ongles de la cour de récréation" a rarement été dépeint "de manière aussi indélébile", a déclaré Tom Shone dans le Sunday Times. Parfois, Nora se tourne vers les adultes pour obtenir de l'aide, mais le film montre qu'elle est seule. comme son titre français (Un Monde) l'indique, l'école est « un monde en soi. Un beau film ».

Horreur

"Tous les hommes sont vraiment les mêmes" dans ce film d'horreur folklorique à la Wicker Man d'Alex Garland, a déclaré Mark Kermode dans The Observer. Garland, l'auteur de The Beach, qui a également réalisé l'intrigante bizarrerie de science-fiction Ex Machina, a concocté "une affaire amusante et tordue" située au cœur de la campagne anglaise. L'excellente Jessie Buckley joue Harper, la survivante d'une relation abusive qui s'enfuit dans une "maison de campagne de rêve" pour récupérer. La maison appartient à Geoffrey, un personnage de "Tim Nice-But-Dim", qui, comme tous les hommes du village - du vicaire smarmy au policier antipathique - est joué par un acteur, Rory Kinnear, glissant "habilement" entre les identités. L'intrigue prend une tournure sinistre lorsqu'un personnage menaçant apparaît à Harper dans un tunnel ferroviaire désert. Au fur et à mesure que le film avance, Garland « jette la prudence au vent » et déchaîne l'horreur sur l'horreur horrible.

Les hommes veulent "être un thriller social pour les âges; un Get Out pour les femmes", a déclaré Charlotte O'Sullivan dans le London Evening Standard. "Ça réussit presque." Mais exactement au point où "ça devrait commencer à être insupportablement tendu, ça commence à se défaire". On ne sait pas si tous les personnages masculins sont le fruit de l'imagination de Harper ou s'ils représentent une menace réelle. Quoi qu'il en soit, le film ne rend pas vraiment justice aux "horribles réalités" de la misogynie violente.

Cela n'a jamais vraiment de sens pour sa "vanité centrale surprenante", a convenu Peter Bradshaw dans The Guardian. La performance à multiples facettes de Kinnear est « énervante et scandaleuse », mais il y a aussi des moments de « sottise pas entièrement intentionnelle » ici : Men ressemble presque à un épisode de The League of Gentlemen sans les blagues. Les acteurs, cependant, sont très bons, et il y a beaucoup à apprécier "alors que le film se prépare pour sa finale bizarre".